Kunst kommt von Können

Bilder absichtlich gesperrt

2011-08-20T02:59:00.000-07:00

Hallo, ich dachte bisher immer, dass ALLE Abbildungen von Gemälden eines Künstler, der vor über 70 Jahren gestorben ist, gemeinfrei sind. Man sie also ohne Bedenken im blog veröffentlichen kann. Auch meine frühere Angewohnheit, eingescannte und aufbereitete Bilder mit der Webadresse zu versehen, sah ich als unproblematisch an.
Aufgrund eines Kommentar und einer kurzen Web-Recherche bin ich aber nicht mehr ganz sicher. Da ich z.Z. keine Lust habe, mich um die rechtliche Situation zu kümmern und der blog sowieso nicht mehr aktiv ist, schalte ich die Bilder erst mal alle offline. Alle, da Picasa leider keine Rechtevergabe für einzelne Bilder unterstützt.

Das Glück der Klee-Blätter

2011-03-04T13:38:00.000-08:00

Brilliante Idee
Ich habe eine brillante Idee und werde sie mit dir teilen. Wir werden reich. Und so unglaublich es auch klingen mag, man muss nichts können. Gar nichts.
Es gibt nur eine Voraussetzung. Durchsuche bitte mal deine alten Unterlagen, ob du nicht eine Kunstmappe aus deiner Kindergartenzeit oder dem ersten Schuljahr findest.
Ja, gefunden? Wunderbar. Denn diese kleinen unschuldigen Blätter mit ihren kindlichen Strichen, Formen und Flecken werden dein Leben vollständig verändern.

Umsetzung
Wie, willst du wissen? Ich verrate es dir. Folge mir.

Als erstes brauchst du einen weiteren Vornamen. Nämlich Paul. Ab heute nennst du dich Paul. Du bist eine Frau? Egal. Marie wird im Spanischen auch für Männernamen verwendet, also warum nicht Paul im deutschsprachigen Raum für Männlein und Weiblein. Eine Geschlechtsumwandlung ist nicht notwendig. Und wer von deinen Freunden mit deinem neuen Vornamen Probleme hat, besteht den Eichtest für wahre Freundschaft sowieso nicht.

Paul alleine reicht natürlich nicht. Neue Eltern müssen her. Und zwar welche, die Klee heißen. Adoptionen sind heutzutage kein Problem, also nehme das Telefonbuch zur Hand und mache dich auf die Suche nach deinem neuen Nachnamen. Sei freundlich und bereite die Anträge schon mal vor.

Erfolgsgarantie?
So, das war eigentlich alles. Bald wirst du reich sein. Wie, glaubst du mir noch nicht? Woher ich das alles weiß?

Vorbild
Weil ein Schlaumeier aus einem mir unerklärlichen Grunde meine Idee abgegriffen hat und sich als Paul Klee ausgibt. Er ist sogar so clever, seinen Geburtstag ins vorletzte Jahrhundert zu verlegen, um auf jeden Fall als Erfinder dieses genialen Schachzugs zu gelten. Der Schuft. Und nun überschwemmt dieser Paul Klee die großen Auktionshäuser mit seinen Kindergartenbildern und erzielt mit diesen Blättern Millionen-Dollar Preise.

Geld für alle
Aber das Gute für uns daran ist, es scheint weiterhin eine große Nachfrage zu bestehen. Also sammle deine malerischen Jungendsünden und schicke sie ein. Den Rest machen die Damen und Herren bei Sothebys und Christies. Diese kreativen Köpfe finden wunderbare Formulierungen für die kleinste Banalität und wandeln jedes Gekritzel in ein großes, absichtsvolles Meisterwerk um. Daneben sieht Rembrandt wie ein kleiner, dilettantisch, langweiliger Realist aus.

So wirds gemacht
Sind auf deinen Kindheitswerken die beliebten Strichmännchen mit dünnen Armen, Beinen, Körper und riesigem Kopf zu finden? Perfekt! Denn dann hattest du als Kind schon die weise Einsicht erlangt, dass Gedanken die Welt lenken, aber man trotzdem mit beiden, wenn auch manchmal wackeligen Beinen, im Leben stehen soll.

Noch mehr Quatsch gefällig? Kein Problem, es gibt genug erst gemeinte Beispiele:

Beispiel 1
Gartenfigur, läppische 5 Millionen Dollar (5.137.162 $)

Paul Klee - Gartenfigur (1932) - Öl auf Leinwand (81,5 x 61,3 cm)

Was will uns der Kunstwerbefachmensch des Auktionshauses weismachen?
Allein der Namen regt poetische Stimmung an, versteckte Tiefen kommen zum Vorschein, die auf künstlerischen Theorien beruhen. Hier wird die Natur sowohl als visuelles Modell, als auch als strukturierendes Konzept dargestellt. Der Mensch und die Natur sind eins. Es ist eine autonome Struktur mit eigener Physiognomie dargestellt. Und zuletzt natürlich eine Einladung an den Betrachter, den Künstler auf seiner kreativen Reise zu folgen. Wow, ich will gar nicht erst dran denken, was noch alles für versteckte Wunderdinge in dem Meisterwerk lägen, wenn Klee es 'Gartenzwerg' statt 'Gartenfigur' genannt hätte....

Was sieht der naive Laie?
Wovon reden die? Links vor einer kleinen Tür steht eine etwas zu groß aufgeblasene Papiertüte mit einem geschlossenen und einem offenen Auge, schiefem Mund nebst kleinem schwarzem Pickel. Mehr nicht.

Beispiel 2
Pflanze und Fenster Stilleben, 5 Millionen Dollar (5.010.500 $)

Paul Klee - Pflanze und Fenster Stillleben (1927) - Öl auf Leinwand (47,6 x 58,4 cm)

Was will uns der Kunstwerbefachmensch des Auktionshauses weismachen?
Der Mond und die Sonne spielen tänzelnd miteinander und die glühenden Farben der Pflanze umspielen zärtlich das dunkle Fenster, wobei diese wunderbaren, verwirrenden geraden Linien die beiden Hauptgegenstände des Bildes verbinden. Das Fenster, natürlich rein architektonisch betrachtet, komplementiert geschickt in seinem dunklen Ton den neutralen olivenfarbigen Hintergrund. Oder, wie schon ein schlauer Mann über den Künstler sagte: "Das Ferne war für ihn immer am nächsten".

Was sieht der naive Laie?
Der gute Paul ist meinem Ratschlag gefolgt und hat einen Strichmännchen-Kopf eingebaut. Der Körper ist zwar etwas zu dick für die reine Lehre, aber an sich bringt ein Strichmännchen schon mal locker 2 Millionen Dollar extra. Nur mit dem verhunzten Fenster wäre ich als Häuslebauer unzufrieden und würde den Architekten verklagen. Das die Sonne direkt im Zimmer scheint, gefällt mir hingegen gut. Das spart Heizungskosten.

Beispiel 3
Der Künftige, 3 Millionen Dollar (3.330.500 $)

Paul Klee - Der Künftige (1933) Öl auf Leinwand (61,1 x 49,5 cm)

Was will uns der Kunstwerbefachmensch des Auktionshauses weismachen?
Natürlich ist dies Klees Antwort auf die Pseudo-Utopischen Ideologien der 30er Jahre und eine Parodie auf den Übermenschen. Beeindruckend gemalte flammende Hose und zombieartiger Blick zeugen von seinem beißendem Humor und tiefgründiger Gesellschaftskritik an den Zuständen seiner Zeit und dem Abgrund, der kommen wird.

Was sieht der naive Laie?
Schön, aber das hat nichts mit Kunst zu tun. Du könntest der feinfühligste, tiefsinnigste, liebenswürdigste Mensch der Welt sein und möchtest deine Abscheu an den Fehlentwicklungen unserer Zeit (oder deine Freude über die Schönheit in der Welt) mittels Musik zum Ausdruck bringen. Aber wenn du deiner Geige nur ein paar schräge, krächzende Töne entlocken kannst, ist das vielleicht aller Hochachtung wert, aber keine Kunst. Gleiches gilt für Malerei. Und von diesem Urteil ist auch Klee nicht ausgenommen. Nüchtern betrachtet sieht man ein paar verschachtelte Formen, Augen, dicke Nase, Mund und frei schwebende Gliedmaßen. Mit kräftigem Rot wurde nicht gespart, um damit den Blick von den anderen Bildern im Kindergarten auf diesen roten Übermenschen zu lenken.

Beispiel 4
Sollte Steigen, Fast 3 Millionen Dollar (2.827.050 $)

Paul Klee - Sollte Steigen (1932) Öl auf Leinwand (59,5 x 86,6 cm)

Was will uns der Kunstwerbefachmensch des Auktionshauses weismachen?
Klee hatte ein Konzept. Respekt, denn Konzepte sind immer gut für den Preis und treiben ihn enorm in die Höhe. Sein Konzept bei diesem Bild ist das Aufsteigen, welches er durch Ballon und Pfeil darstellte. Ein wahrer Geniestreich des Meister. Die nach oben strebenden Elemente stehen im Kontrast zu den eher anarchisch, instabilen Kräften der drachenförmigen Gebilde. Diese werden durch Gravitationskräfte, natürlich symbolisiert durch die Erdfarben, hin und her geschleudert und sind immer in der Gefahr, von den Urgewalten zermalmt zu werden.

Was sieht der naive Laie?
Ein paar ungeschickte gemalte Rundungen und Vierecke. Damit es nach schwerer Arbeit aussieht, pedantisch gerade Striche samt tiefgründigem Pfeil und angedeuteten Luftballon. Eine Kritzelei, die jeder von uns schon mal aus Langweile während des Unterrichts in seiner Schulzeit aufs Papier geschmiert hat. Vielleicht in bescheidenerem Format, aber immerhin.

Beispiel 5
Junger Garten (Rhythmen), 3 Millionen Dollar (3.152.000 $)

Paul Klee - Junger Garten (Rhythmen) (1927) Öl auf Leinwand (65 x 51,7 cm)

Was will uns der Kunstwerbefachmensch des Auktionshauses weismachen?
Hier ist, wie immer beim allmächtigen Klee, die große poetische Qualität des Werks offensichtlich. Diese Muster evozieren eine mystische, unbekannte Bildsprache, die den ägyptische Hieroglyphen ähnelt. Und nicht nur das. Das zeichnerische Meisterwerk in der oberen Mitte des Bildes, welches an einen Tannenbaum erinnert, nimmt uns an die Hand und führt uns direkt in die Natur hinein. Welch geniales, seitdem nie mehr erreichtes Meisterwerk, konnte man hier für lächerliche 3 Mille erworben.

Was sieht der naive Laie?
Die Linien eines Notenblatts sind mit großem Eifer eigenhändig gezeichnet. Darauf ein bisschen Käsekästchen gespielt und den Rest fleißig mit weiteren geometrischen Mustern gepflastert, so dass kein Zentimeter des Blattes ungenutzt blieb.

Beispiel 6
Freundlicher Ort, gute 1 Million Dollar (1.670.530 $)

Paul Klee - Freundlicher Ort (1919) Gouache und Aquarell (19,2 x 23,5 cm)

Was will uns der Kunstwerbefachmensch des Auktionshauses weismachen?
Dieses Bild verknüpft die beiden Hauptthemen, mit denen sich Klee zur damaligen Zeit beschäftigte. Garten und Architektur. Hierbei wird in hellen Farben ein harmonisches Nebeneinander von flachen, blockartig aufgebauten Quadraten erzeugt, welches sehr an seine früheren Darstellungen nordafrikanischer Architektur erinnert. Die rechteckigen Farbkleckse kennzeichnen Gebäude, während die länglichen Formen schlängelnde Pfade zwischen diesen darstellen. Umspielt ist das Ganze von grünen Pinselstrichen, welche ein Stück Natur in dieses fröhliche, verspielte Kunstwerk bringen.

Was sieht der naive Laie?
Mir fehlen die Worte. Er steht seinem Freund August Macke in nichts nach. Deren Tunesienreise von 1914 lässt heute noch jedes Kritikerherz höher schlagen. Was ich jedoch von diesen Orientaquarellen halte, kann man hier lesen. Das dort geschriebene passt hundertprozentig auch auf Klee und seine Bilder.

Abschluss
Also beeile dich, bevor das Glück der Klee-Blätter verbraucht ist!

Keine Basis

2010-12-31T02:18:00.000-08:00

Unverrückbar
Jeder Mensch hat bestimmte Vorstellungen und Ansichten, an die er nicht mehr rütteln möchte. Zweifel waren früher, heute jedoch können die andere soviel reden wie sie wollen. Recht habe ich trotzdem. So oder ähnlich geht es jedem schon mal. Das ist natürlich keine wissenschaftliche Haltung, gehört aber zum Mensch-sein dazu. Alles immer und jeden Tag zu relativieren und überdenken, überspannt die knappe Zeit, die uns gegeben ist.

Kunst kommt von Können
Eine dieser Prämissen, die ich hege und pflege, ist die Ansicht, dass ein paar hingeworfene Striche oder Farbkleckse keine Kunst sind. Die angeblich wichtigen Gedanken des Maler sind meist reines Geschwätz, um von der dilettantischen Umsetzung abzulenken. Wenn ein ähnliches Werk von jedem Hobbymaler stammen könnte, dann ist es keine Kunst. Auch wenn der Maler theoretisch größere Fähigkeiten als die Masse der Amateure besitzt, zählt dies nicht für die Bewertung des konkreten Werks.

Fallbeispiel
Wobei wir beim Thema wären. Picasso. Er war aus künstlerischer Sicht ein etwas frühreifer, talentierter akademischer Maler, dessen erste Arbeiten den Werken unzähliger anderer Schülern der großen Akademien des 19. Jahrhunderts entsprachen. Nichts, wofür man in vergötterungswürdiger Anbetung verfallen sollte, aber auch nichts, um ihm sein Talent abzusprechen. Bekannt und als Genie gefeiert wurde er jedoch wegen seiner Fähigkeit, den neusten Trends seiner Zeit zu folgen und sie zu 'perfektionieren', wobei dieses Wort natürlich viel zu positiv ist. Denn vieles davon hat in meinen Augen nichts mit Kunst zu tun, weil ihnen alles dazu fehlt.

Genie, oder?
Darf man das wirklich so sehen, Picasso soll doch der Künstler schlechthin sein? Ich habe das den Fachleuten nie abgekauft. Aber vor kurzem bot sich die Gelegenheit, es doch nochmal genauer zu bedenken.

Überprüfung
Denn zeitgleich zu meinem Wien-Besuch fand in der Albertina eine Picasso-Ausstellung (Hinweis zum Link: dort sind auch viele Bilder der Ausstellung zu finden) statt. Das war die Gelegenheit, dem angeblichen Kunstmessias des 20.Jahrhunderts über die Schulter zu schauen.
Picasso zieht die Massen an. Ich stehe bei klirrender Kälte vor dem Gebäude und komme, wie so viele andere, nicht rein. Überfüllt ist es an diesem Sonntag. Aber wir Harrenden wollen uns die Chance auf diese 'Meisterwerke' nicht entgehen lassen und warten und warten. Dann ist es soweit. Wir dürfen die heiligen Hallen betreten. Wie fast immer bei großen Ausstellung sind sie wunderbar eingerichtet und beleuchtet und vorbereitet zum entspannten Kunstgenuss. Aufgrund der Zuschauermassen und hektischem Treiben kommt aber leider doch eher Bahnhofsstimmung auf. Aber was macht man nicht alles für die hohe Kunst...

Wo ist die Kunst?
Doch, wo war sie? Nichts, was Kunst ausmacht, war zu sehen. Ich schaue mir das erste Werk an, das zweite, das dritte. Nichts. Die Bilder werden bestimmt noch kommen, in die Gedanken und Arbeit eingeflossen sind. Entscheidungen wie geschickte Gesamtkomposition, Anzahl der Figuren, wo welcher Gegenstand platziert wird, schräg zu erblicken oder doch von vorne? Welche Haltung haben die Figuren, welche Gestik und Gesichtsausdruck? Welche Kleidung, welche Farbgebung und Beleuchtungsregie? Wie vermittle ich Stofflichkeit, Räumlichkeit und erzeuge Menschen aus Fleisch und Blut? Und so weiter und so fort.

30000 Mal keine Kunst
Doch nach meiner verzweifelten Suche musste ich feststellen: mit solchen Gedanken und Hindernissen bei der Umsetzung hat sich Picasso fast nie geplagt!
Die meisten der ausgestellten Werke wirken wie 5 Minuten Schnellschüsse auf 7. Klässer-Niveau. Davon hat Picasso wahrscheinlich 30000 ähnliche Werke im Jahr erzeugt. Austauschbar und ohne seine Unterschrift sind sie fast alle lächerlich. Wenn die Bilder deine Signatur hätten, würde niemand auch nur eine Minute in der Kälte dafür anstehen.

Helfende Hand?
Stop! Ein letzter Anflug von Relativismus-Euphorie packte mich und ich schaute in die Gesichter der umstehenden Leute. Sehen sie etwas in den Bildern, was ich nicht sehe? Kennen sie den Weg zur Kunst und ich habe mich schon lange verlaufen? Fehlt mir die Vorstellungskraft, in den Bildern das Genie zu erblicken? Ich schaue mir die Dame links an, den Herrn dort, die Gruppe hinten. Aber nein, irgendwie wirken sie eher verzweifelt in ihrer Suche nach dem Genie in dieser Ausstellung. Manch einer wollte dies mit verschleierndem Geschwafel über die Bedeutung dieses und jenes Strichs vertuschen, aber so richtig gelang dies nicht.

Ende des Relativismus
Mir jedenfalls reichte es. Eines wusste ich genau. Es gibt keine Basis zwischen denjenigen, die in Picassos Werken große Kunst erkennen und mir. Warum sollte ich in einer Welt, in der wahre Kunst zum greifen nah ist, mich mit solch nichts bietendem Müll aufhalten?

Wahre Männer
Raus aus dem Schuppen, rein ins Belvedere, um mich dort von der Welle älterer, kampfbereiter Männer, die aus Defreggers genialem Bild "Das letzte Aufgebot" marschieren, überwältigen zu lassen. (Info: Live wirkt es fantastisch, bei weitem besser als es das kleine Vorschaubild des Belvedere vermuten lässt)


Franz von Defregger - Das letzte Aufgebot (1874) Öl auf Leinwand (139 x 191 cm)

Hoffnungsschimmer
Bildersammlungen gibt es mehr als genug im Internet. Deshalb kann eine weitere gar nicht schaden. Ich möchte dort im Laufe der Zeit, mit ein, zwei kurzen Sätzen begleitet, viele meiner Lieblingsbilder vorstellen. Wahre Meisterwerke, die all das haben, was ein Picasso nicht hat. Kunst!

Viel Spaß also bei der kommenden Reise durch die Welt der wahren Zauberkünstler. (Link)

Dortmund: Museum für Kunst und Kulturgeschichte

2010-11-07T03:18:00.000-08:00

In der Dortmunder Innenstadt ist eine der größten Einkaufstrassen in ganz NRW zu finden. Geschäft reiht sich an Geschäft und die shoppingbegeisterte Ehefrau ist kurz vorm Einkaufswahn. Doch wohin flüchten? Wer bietet dem Verirrten eine ruhige Zuflucht, um dem wilden Gedränge und Geschiebe zu entkommen. Kirchen sind hierfür wahrlich nicht schlecht, aber für längere Aufenthalte meist zu kalt. Für uns Kunstinteressierte gibt es zum Glück noch eine andere wunderbare Möglichkeit.

Das Museum. Glücklicherweise ist ein paar Schritte von der Einkaufshektik entfernt das Museum für Kunst und Kulturgeschichte. Man tritt ein und siehe da, Ruhe. Endlich. Ein paar der dort angestellten Damen unterhalten sich leise. Das wars. Ansonsten fast keine Besucher. Eben das typische Bild eines Museum, welches nicht zu den bekannten Anlaufstellen wie die Nationalgalerien in Berlin, Pinakotheken in München oder das Ludwigforum in Köln gehört. Mit kreativem Rahmenprogramm wie Kindergeburtstage, Hochzeiten oder ähnliches wird versucht, weitere Zielgruppen ins Museum zu 'locken'.

Locken musste mich niemand. Mein Begehr war einfacherer Art, nämlich nochmals die kleine aber feine Gemäldesammlung des 19. Jahrhunderts zu betrachten. Diesmal mit Kamera und Stativ ausgerüstet. Einem leider etwas zu kleinem Stativ. Nahaufnahmen waren deshalb nicht möglich. Aber besser als gar nichts.

Die Homepage des Museum geizt, mir unverständlich, mit Bildern ihrer Sammlung. Es werden zwar die verschiedenen Abteilungen erwähnt, aber nicht mit den Geschmack auf das Original anregenden Fotos unterstrichen. Im Text werden fast beiläufig ein paar Namen (Friedrich, Clorinth, Slevogt) erwähnt, aber nur zwei kümmerliche Bilder sind auf der Homepage (siehe hier) zu finden.

Dabei hat das Museum doch einiges mehr zu bieten als den bekannten Caspar David Friedrich und dem Dreigestirn des deutschen Impressionismus (Clorinth, Liebermann und Slevogt) mit ihren für meine Augen meist halbgaren Skizzen.

Nämlich akademische Meister der vordersten Reihe:

Balthasar Denner (1685-1749)

Balthasar Denner (1685-1749) - Bildnis einer alten Frau
Öl auf Leinwand

Beginnen möchte ich mit einem Falschparker. Jemand, der sich durch die Hintertür in die Sammlung geschlichen hat und zum Glück dort belassen wurde. Balthasar Denner. Der Meister ist nämlich über hundert Jahre vor dem 19. Jahrhundert geboren. Denner war zu seiner Zeit ein sehr gefragter Maler. Warum, ist offensichtlich. Seine bis ins kleinste Detail gehenden Bilder wirken auch nach mehr als 200 Jahren unglaublich lebendig und faszinierend. Seine Spezialität war wohl die Darstellung älterer, vom Leben gezeichneter Damen. So wie die hier Abgebildete.

Balthasar Denner (1685-1749) - Bildnis einer alten Frau
Ausschnitt

Ein sehr ähnliches Gemälde (Link) befindet sich z.B. in der Eremitage in St. Petersburg. Qualtitativ spielt das Dortmunder Bild (nicht mein Photo, da kommt es nicht ganz so rüber) fast in der gleichen Liga.

Carl Hasenpflug (1802-1858)

Carl Georg A. Hasenpflug (1802-1858) - Klosterruine im Schnee (1849)
Öl auf Leinwand

Als ich diese Bild zuerst sah, dachte ich, es wäre ein Lessing. Dieses verlassene Kloster mit seiner Winterlandschaft ist doch zu typisch für Lessing gewesen. Aber es stammt von einem anderen Zeitgenossen der ersten Hälfte des 19. Jahrhundert. Carl Hasenpflug. Dieser war vor allem für seine Architekturmalerei bekannt, wurde aber, wie Wikipedia lehrt, durch die Bekanntschaft mit dem vielleicht größten damals lebenden Deutschen Maler zu romantischeren Themen bekehrt. Durch genau jenen Carl Friedrich Lessing. Zum Glück, würde ich behaupten. Denn ansonsten würde dieses kleine Meisterwerk nicht entstanden sein.

Carl Georg A. Hasenpflug (1802-1858) - Klosterruine im Schnee (1849)
Ausschnitt

Anton von Werner (1843-1915)

Vom Großmeister aus Berlin sind zwei Bilder zu sehen. Eine kleine, einfach Studie eines Hausmädchen und ein als Geschenk für seine Frau gedachtes Gemälde ihrer ältesten (glaube ich auf jeden Fall aus dem Gedächtnis heraus) Tochter.

Anton von Werner (1843-1915) - Hausmädchen im Garten (Studie) (1898)
Öl auf Pappe

In der Studie hat von Werner mit wenigen, vollen Pinselstrichen (impressionistisch würde man heute sagen) die Kleidung gemalt und etwas detaillierter das Gesicht umgesetzt.

Anton von Werner (1843-1915) - Hausmädchen im Garten (Studie) (1898)
Ausschnitt

Nichts, was er je als eigenständig auszustellendes Bild gedacht hätte, aber wofür man als Museumsbesucher doch dankbar ist.

Anton von Werner (1843-1915) - Hausmädchen im Garten (Studie) (1898)
Ausschnitt

Viel vollendeter ist das Geschenk an seine Frau gemalt. Obwohl nur für den privaten Gebrauch gedacht, zeigt es den großen Könner.

Anton von Werner (1843-1915) - Tochter Hildegard (1893)
Öl auf Leinwand

Die melancholisch blickende Tochter (ungewöhnlich, man erwartet eher ein 'oberflächlich' lachendes Mädchen), mit dem halboffenen Buch in der einen, das Gesicht auf die andere Hand gestützt, scheint tief in Gedanken versunken.

Anton von Werner (1843-1915) - Tochter Hildegard (1893)
Ausschnitt

Für das plätschernde Bächlein oder das leuchtende Blattwerk scheint sie kein Auge zu haben. Ihre Gedanken sind gerade in einer ganz anderen Welt versunken. Wollen wir sie dort in Ruhe lassen und leise einen Schritt zurücktreten, um das Bild im Detail zu bewundern.

Anton von Werner (1843-1915) - Tochter Hildegard (1893)
Ausschnitt

Fantastisches Farbgefühl zeigt von Werner hier gepaart mit stofflicher Greifbarkeit. Das Moos auf den Steinen wirkt noch ganz feucht und der Schaum des herab fließenden Wasser scheint aus dem Bild zu rinnen.

Anton von Werner (1843-1915) - Tochter Hildegard (1893)
Ausschnitt

Dies ist hohe Kunst, mehr eben als ein 'gewöhnliches impressionistisches' Bild, welches meist ein paar nette Farben zu bieten hat aber nicht mehr.

Arthur Kampf (1864-1950)

Nebenan findet sich ein sehenswertes Gemälde von Kaiser Wilhelm I ( Wilhelm I auf dem Katafalk von 1888 - Öl auf Leinwand). Mal nicht gemalt von Anton von Werner, sondern von Arthur Kampf. Da der Maler noch keine 70 Jahre verstorben ist, kann ich dies hier leider nicht abbilden. Im Netz kursiert jedenfalls eine leicht andere Version dieses Gemälde von Kampf (siehe z.B. hier), er scheint es also in mehreren Versionen gemalt zu haben.

Franz von Lenbach (1836-1904)

Franz von Lenbach - Bismarck - Ausschnitt

Von Lenbach darf natürlich auch kein Bild in einer Sammlung der bekannten Meister des 19 Jahrhundert fehlen. Dortmund hat ein großes Bild Bismarcks aus Lenbachs Hand zu bieten. Bei einem Porträt von Lenbach bildet meist das Gesicht den Anziehungspunkt. So auch hier. Bismarck sitzt müde und kaputt in seinem Sessel. Er wirkt ausgelaugt und krank. Die Augen schauen einen fragend an, warum man ihn in seiner Ruhe stört. Das Foto ist leider leicht verschwommen und wird dem Gemälde nicht ganz gerecht.

Gotthardt Kuehl (1850-1915)

Gotthardt Kuehl (1850-1915) - In der Leihanstalt (um 1873)
Öl auf Leinwand

Eines der wenigen 'Problem'-Bilder der Dortmunder Sammlung ist das Gemälde des Dresdener Maler Gotthardt Kuehl. Geflüchtet von den Blicken Bismarcks bin ich in dieses Pfandhaus eingedrungen, dort, wo verzweifelte, meist ältere Damen ihr letztes Hab und Gut beleihen müssen. Diese Thematik war vor allem in der Mitte des 19. Jahrhundert häufig zu sehen. Einer der bekanntesten Maler solcher Szenen war Carl Wilhelm Hübner. Kuehls Szene wirkt weniger Bühnenhaft und insgesamt lebendiger als z.B. Hübners ca. 30 Jahre vorher entstandenes Werk - Die Schlesischen Weber von 1844.

Konrad Dielitz (1845-1933)

Konrad Dielitz (1845-1933) - Porträt Julie Hiltrop (1797-1876) (1882)
Öl auf Leinwand

Über den Berliner Dielitz sind recht wenig Informationen im Netz zu finden. Er muss ein gefragter Porträtmaler gewesen sein, der sich jedoch auch dem völlig konträren Gebiet der historisch, mythologischen Welt widmete. Im Dortmunder Museum habe ich sein Gemälde eher zufällig gesichtet. Wollte die Sammlung schon verlassen, da sah ich hell erleuchtet in einem Ausstellungs-Wohnraum des 19. Jahrhundert sein Bild der Frau Hiltrop als Einrichtungsgegenstand hängen. Ich hoffe, dieses Foto bietet halbwegs einen Eindruck von der hohen Qualität der Malerei.

Anselm Feuerbach (1829-1880)

Von Feuerbach sind mir zwei Gemälde aufgefallen.

Anselm Feuerbach - Nanna Profil nach rechts (1862)
Öl auf Leinwand

Das Porträt seiner Nanna habe ich schon früher als Buchscann in einem anderen Bericht abgebildet. Hier also als eigenes Foto mit Rahmen.

Anselm Feuerbach (1829-1880) - Leontine(1851)
Öl auf Leinwand

Das andere ist eine sehr schöne Kopfstudie aus seiner Pariser Zeit. Faszinierend, wie gelungen das schwarze Haar der Frau gemalt ist. Mit ein paar 'einfachen' Strichen und ein wenig Weiß und Grau an den passenden Stellen glänzt das Haar und wirkt auch live sehr real. Meisterhaft gemalt.

Hans Makart (1840-1884)

Hans Makart (1840-1884) - Prachtpalast (1883)
Öl auf Tusche und Leinwand

Der Wiener Malerfürst gibt sich auch in Dortmund die Ehre. Nicht mit einem für ihn typischen Werk, sondern mit einer Phantasiearchitektur, welche er ein Jahr vor seinem frühzeitigen Tod gemalt hat. Dieses Architekturbild ist eines von vier zusammengehörenden Bildern, welche Makart ohne konkreten Anlass gemalt hat.

Hans Makart (1840-1884) - Prachtpalast (1883)
Ausschnitt

Laut Ausstellungsplakete wurden

Die Entwürfe wurden zusammen 1883 im Pariser Salon und noch im selben Jahr im Münchner Glaspalast ausgestellt.

Der hier abgebildete imposante Aufriss ist schätzungsweise 4 Meter breit (leider sind in Dortmund keine Größenangaben auf den Begleitplaketten angegeben) und nimmt eine ganze Wandseite ein. Teilweise kommt noch die Unterzeichnung auf dem Bild hervor.

Hans Makart (1840-1884) - Prachtpalast (1883)
Ausschnitt

Ich habe noch nicht viele farbige Architekturzeichnungen gesehen, aber diese dürfte von 1A Qualität sein. Die Gegenstücke sind glaube ich auf artrenewal.org abgebildet, siehe hier.

Walter Leistikow (1865-1908)

Walter Leistikow (1865-1908) - Breege auf Rügen (1908)
Öl auf Leinwand

Die Überraschung dieser Ausstellung ist für mich das Gemälde von Leistikow. Normalerweise gefallen mir, wie schon oft erwähnt, Impressionisten nicht besonders. Ich erhoffe mir meist, dass der Maler mal nicht, wie Adolf Menzel (achja, von ihm gibt es ein Bild mit kaum noch erkennbaren, fast schwarzen Inhalt - wird wohl nur für die Statistik, dass er auch in Dortmund vertreten ist, ausgestellt sein) es formuliert hat, zu faul war, sondern den ersten Eindruck weiter veredelt. So wie das oben beschriebenen Gemälde von Anton von Werner.
Eines der wenigen 'impressionistischen' Bilder (und ich habe von allen bekannten Impressionisten Bilder live und in Farbe gesehen), bei dem mir nichts fehlt, ist dieses Gemälde von Leistikow.

Walter Leistikow (1865-1908) - Breege auf Rügen (1908)
Ausschnitt

Der leuchtend weiße (auf dem Foto zu dunkel), grobspachtlig aufgetragene Himmel ist der Anziehungspunkt dieses Bildes. Er glänzt schon von weiter Entfernung zum Bild und zieht einen magisch an. Geschickt sind weitere Weißtöne auf dem Bild verteilt und geben dem ganzen einen harmonischen Eindruck, der durch die kräftig dunkelgrüne Wiese abgerundet wird.

Andreas Achenbach (1815-1910)

Andreas Achenbach (1815-1910) - Nordisches Gebirge im Winter (Felsenlandschaft) (1838)
Öl auf Leinwand

Zuletzt das meiner Meinung nach beste Bild der ganzen Sammlung. Man wird durch die Raumaufteilung in einen neuen Bereich gelenkt und fühlt sich plötzlich in eine raue, von mächtigen Bergen gesäumte Landschaft Skandinaviens versetzt. Die Bergkette ist noch Nebelverhangen. Kein Zeichen von Zivilisation weit und breit. Nur zwei Greifvögeln scheinen in dieser unwirtlichen Gegend zu Hause zu sein.

Andreas Achenbach (1815-1910) - Nordisches Gebirge im Winter (Felsenlandschaft) (1838)
Ausschnitt

Ich war direkt begeistert von dem Gemälde und leicht überrascht zu lesen, dass es von Andreas Achenbach war. Nicht überrascht wegen der Qualität, sondern wegen der Größe. Ich hatte nämlich bisher nur kleinere Gemälde Achenbachs gesehen, dies ist das erste monumentalere Bild, ich schätze 2 mal 3 Meter groß. Von feinen Details wie den Eiszapfen unten auf dem großen Felsen, den unterschiedlichen Herbstfarben
bis zu den fantastisch gemalten Nebel des Hintergrund bietet dieses Gemälde alles, was man von einem reinen Landschaftsbild nur erhoffen kann.

Andreas Achenbach (1815-1910) - Nordisches Gebirge im Winter (Felsenlandschaft) (1838)
Ausschnitt

Ein Meisterwerk des damals erst 23 Jahre alten Andreas Achenbach.

Andreas Achenbach (1815-1910) - Nordisches Gebirge im Winter (Felsenlandschaft) (1838)
Ausschnitt

Einstellung

2010-01-15T08:17:00.001-08:00

Hallo, wegen mangelnder Zeit aktualisiere ich diesen Blog in absehbarer Zeit nicht mehr.
Danke für die Aufmerksamkeit!

Wilhelm Bernatzik und die Kunst des Vergessens

2009-12-31T06:03:00.001-08:00

Lauf der Zeit
Das Leben ist vergänglich. Altes macht Platz für Neues. Was heute noch beliebt und bekannt war, ist morgen vergessen. Für Manchen ist das ein schwer zu akzeptierender Lauf der Geschichte, aber das Rädchen lässt sich nicht zurückdrehen. Wir heute lebenden Normalsterblichen sind in ein, zwei, maximal drei Generationen schon wieder vergessen.

Vergessene Künstler
Doch nicht nur uns widerfährt dieses Schicksal, auch zu ihrer Zeit bekannte und relativ bedeutende Menschen sind bald im unbekannten Teil der Geschichte verschwunden.
Die Kunstwelt macht da natürlich keine Ausnahme. Was gerade noch große Mode war, gilt kurze Zeit später als veraltet und vergilbt.

In wohl keiner Epoche folgten die Stufen so krass aufeinander wie Ende des 19ten, Anfang des 20 Jahrhunderts. Die Jahrhunderte alte große Tradition der in langjähriger Arbeit ausgebildeten Meister fand ihr jähes Ende mit dem Aufkommen modernerer Richtungen, bei denen das Können immer weniger Bedeutung hatte. Große Meister ihres Pinsels, die zu anderen Zeiten ruhmreich verstorben wären, sahen ihr Lebenswerk durch die Vergötterung des Nichtskönnertum zerstört.

Tod und Wiederauferstehung
Ein filmreifes Paradebeispiel ist hierfür das Leben des Maler John William Godward. In einer Kunstwelt, in der die Spielereien eines Picasso als Geniestreiche gepriesen wurden, sah er keinen Platz mehr für sich und seine Kunst und beendete vorzeitig sein Leben.
Die Kunst der Dilettanten konnte seinen Ruhm jedoch nicht für immer unterdrücken. In den letzten Jahrzehnten erlebte sein Werk eine Renaissance und seine Gemälde erzielen heutzutage wieder stattliche Preise. Sein Leben ist bestens dokumentiert und frei im Web nachzulesen. Siehe z.B. hier.

Auf der Welle und dann für immer unter ihr
Dieses Wiederauferstehen des Ruhms ist vielen anderen jedoch nicht vergönnt. Ein besonders bemerkenswertes Beispiel, über den ich im Folgenden berichten möchte, ist der österreichische Maler Wilhelm Bernatzik. Einer jener verlorenen Generation, die ich an anderer Stelle erwähnt habe.

Dieser Maler schwamm auf der Welle des Zeitgeists. Er errang mehrere Medaillen und seine Bilder verkauften sich gut. Doch nicht nur das. Er war eine historisch wichtige Figur an der Schnittstelle zwischen Impressionismus und Secession. Eigentlich war er zur richtigen Zeit am richtigen Ort, aber nicht mal als kleines Rädchen ist er in die Kunstgeschichte eingegangen.

Wilhelm Bernatzik - Das Begräbnis (1880)

Minimale Infos
Die paar Bilder und Informationen, die im Internet zugänglich sind, habe ich alle in diesem Artikel eingebaut. Wahrlich nicht viel. Das Problem ist, dass sein Leben von anderen Köpfen, speziell Gustav Klimt, überschattet wird, die Bernatziks Nachruhm in den Boden der Vergessenheit versenkten, aus dem er bis heute nicht emporgehoben wurde.

Verkörperung des Wandel
Aus kunstgeschichtlicher Sicht ist dies, so meine Meinung, nicht zu begründen, da er den Wandel vom technisch versierten, klassisch ausgebildeten akdamischen Maler zum Impressionisten deutschsprachiger Prägung und Begründer des Jugendstils (keine einheitlich Kunst- eher eine Zeitströmung) in Österreich wie kein Zweiter verkörpert. Ein Zeitgenosse beschrieb dies als Wandlung vom Saulus(~Akademiker) zum Paulus(~Impressionist). Ich würde dies natürlich genau andersherum sehen.

Akademische Grundlagen
Aber wie dem auch sei. Bernatzik hatte Talent. Und so wundert es nicht, dass er eine angestrebte juristische Ausbildung unterbrach, um seinem wahren Naturell, der Kunst, Gehör zu verschaffen.
In Wien und Düsseldorf wurde die Basis gelegt und in Paris, beim weltberühmten Léon Bonnat, einen der besten Porträtisten seiner Zeit, holte er sich den letzten Schliff.
Eine Ausbildung, von der heutige Maler nur träumen können. Alles war vorbereitet für eine stattliche Karriere und die ersten Lobesworte und Medaillen trudelten ein.

Die beiden nachfolgenden Bilder zeigen, soweit es die kleinen Abbildungen zulassen, gut die akademisch geschulte feine Zeichnung, Malweise und Bildkomposition, welches vieles weitere erhoffen lies.

Wilhelm Bernatzik - Die Vision des Heiligen Bernhard (1887)
Öl auf Leinwand (105 x 201 cm)

Wilhelm Bernatzik - Klosterwerkstätte

Impressionismuswalze
Aber im Hintergrund wälzte der Impressionismus seine Bahnen und ließ auch den Österreicher, der in Paris hautnahen Kontakt mit den Anfangen der Bewegung hatte, nicht unbeeindruckt. Das Malerische, wie es damals bezeichnet wurde (ich würde eher sagen studienhafte), zog ihn an. Nicht aus mangelnder Alternative, sondern aus Überzeugung.

Deutsche Art
Und mit seiner Art von Impressionismus, die er später entwickelte, kam er den deutschsprachigen Kritikern sehr entgegen. Ein hecheln nach den neusten Trends aus Frankreich war vielen ein Graus.
Das deutsche Reich hatte zwar den Krieg gewonnen, aber an künstlerischem Selbstvertrauen mangelte es umso mehr. Wo war das Tiefsinnige und Nachdenkliche, welche die Deutschen(und wohl auch die Österreicher) damals als ihre Eigenschaften betrachteten?
Diese oberflächliche, nur dem ersten Schein/Impression dienende Malerei, war vielleicht dem Franzosen innewohnend, aber nicht zum deutsch, naiv, männlichen Gemüt passend.
So oder ähnlich waren die Formulierungen zur damaligen Zeit. Wenn schon Impressionismus, dann sollte die Themen ernster, poetischer, eben deutscher sein.

Nachdenken mit großen Titeln
Und in dieser Kerbe schuf Bernatzik seine Bilder. Nicht den tausendsten, einfach nur schön wirkenden Seerosenteich in der Art eines Monet wollte er schaffen. Nein, seine Bilder sollten Tiefgang haben, den Betrachter ansprechen und zum Nachdenken bringen. Dies trifft auf sein 1903/1904 gemaltes und nachfolgend abgebildetes Gemälde Eingang zum Paradies mit Sicherheit zu.

Wilhelm Bernatzik - Eingang zum Paradies (1903-1904)

Impressionistisch grober Farbauftrag gepaart mit einem bedeutungsvollen Titel.
Dies war mehr als ein 'nett, schön anzusehendes' Bild. Der Betrachter sollte über den Sinn des Leben und das für uns alle kommende Ende nachdenken. Ein Werk, wie es den Kritikern im Deutschen Reich und Österreich-Ungarn bestimmt gefallen hat.

Eventmanager
Wilhelm Bernatzik war nicht nur als Künstler vom Impressionismus beeinflusst, auch als Organisator der ersten, allumfassenden Impressionismus-Ausstellung im deutschsprachigen Raum, 1903 in den Räumen der Wiener Secession, schuf er bemerkenswertes. Zusammen mit dem Berliner Kunstkritiker Julius Meier-Graefe stellte er eine Show auf die Beine, welche die Impressionismus-vernarrten Kritiker jener Zeit begeistert aufnahmen.

Das ist eine der wertvollsten Ausstellungen, die bisher in Wien veranstaltet wurden.

Erstaunlich ist die Reichhaltigkeit der Ausstellung, die Vollständigkeit, mit welcher der große evolutive Kunstmoment, der unsere Epoche charakterisierte, dargestellt ist.

Hier waren aufgrund der guten Kontakte Bernatzik nach Frankreich, Holland und Belgien nicht nur die großen Köpfe Monet, Renoir, Sisley oder Pissarro vertreten. Mehr noch. Die gesamte Bandbreite von Manet, Corot, Rodin, van Gogh und Vorläufern wie Goya oder Velázquez war zu sehen.

Ein neuerlicher Höhepunkt war die 16. Secessionsausstellung vom 17. 1. bis 1. 3. 1903, die durch Reisen des Präsidenten Wilhelm Bernatzik nach Amsterdam, Den Haag, Brüssel und Paris vorbereitet worden war und nach schwierigen Verhandlungen vor allem mit privaten Leihgebern realisiert werden konnte.

Wilhelm Bernatzik - Motiv aus Weissenkirchen an der Donau
Öl auf Leinwand (50 x 80 cm)

Trennungen und Strahlemann
Organisiert werden konnte dies von Bernatzik nur, weil er genau in diesem Jahr, von 1902 bis 1903, Vorsitzender der Wiener Secession war. Jenem Bund, den er als Abtrennung vom offiziellen akademischen Betrieb als einer der wenigen 'Alten' mitbegründet hatte. Diese Vereinigung wird heute meist nur mit einem Namen verbunden, der alle anderen überstrahlt. Gustav Klimt.
Zu Klimt wird man an allen Ecken und Enden mit Büchern, Abbildungen und Informationen erschlagen. Auf ihn haben sich alle Kunstinteressierten gestürzt und bis zur Farbe seiner Bettwäsche ist wohl alles bekannt.
Aber Bernatzik wird, auf jeden Fall in dem Buch, welches ich über Klimt habe, mit keinem Wort erwähnt. Dabei war Bernatzik ein Weggefährte Klimts. Beide beteiligten sich an vielen Ausstellung der Secession und bestimmten ihre Marschrichtung. Einer Marschrichtung, die jedoch nicht ganz unumstritten war. Denn schon acht Jahre später trennten sich Künstler um Klimt und Bernatzik von der Wiener Secession und gründeten 1905 ihre eigenes Grüppchen. Trennung von der Trennungsgruppe also. Warum auch nicht, Jedem das Seine.

Wilhelm Bernatzik - Schäfer am Lagerfeuer - Öl auf Leinwand (95 x 73 cm)

Totenstarre
Lange währt die Trennungsfreude jedoch nicht. Denn schon im drauf folgenden Jahr, im November 1906, verstarb der zu Lebzeiten hoch angesehener Maler. Nach einer großen Gedenkausstellung 1907, die seine Wiener Freunde ihm widmeten, wurde es schnell still um Bernatzik. Seitdem hat ihn kein deutscher/österreichischer Kurator oder Kunsthistoriker aus der Versenkung geholt

Zurück zum Lebenden

Wilhelm Bernatzik - Selbstbildnis - Kohlezeichnung

Zur Beschreibung seiner Person muss man schon auf zeitgenössische Quellen zurückgreifen:

Er hatte vor allem Begeisterung und die Brüder gehörten zu den vielen jungen Wienern, die seinerzeit zu Fuße nach Bayreuth pilgerten. Seine derbkräftige Anlage gestattete ihm das; er war auch später immer zu physischer Anstrengung aufgelegt und insbesondere ein leidenschaftlicher Radler, als solcher in etwas abenteuerlich grobem Dreß eine bekannte Figur. Auch sein mächtiger Kopf, mit den
tiefgefurchten Zügen, ließ nicht ahnen, daß er ein fein gestimmtes Gehirn barg. (Ludwig Hevesi - Kunstchronik und Kunstmarkt)

Vom selben Autor stammt eine Schilderung der von Impressionismus und Freilichtmalerei beeinflussten Malweise Bernatziks.

Seine eigene Malerei vertiefte und beseelte sich in der Wechselwirkung dieser Gemeinschaft von Jahr zu Jahr. Gleich seine ersten Bilder ließen es erkennen und fanden sämtlich Käufer.
Meist grüne, durchfeuchtete Bilder, mit einem leuchtenden Schwall von Wasser und purpurglühenden Blumen; Märchenschauplätze gleichsam. Dann warf er sich ins Gegenteil und malte in Neunkirchen am Steinfelde die staubtrockenen, staubgrauen Dämmerungen dieser für Wien sprichwörtlichen Einöde, aber auch die lauschige
Abendstille in den ländlichen Gäßchen mit ihren einsamen Laternen, die ein irisfarbener Hof umgibt. Gelegentlich stieg er sogar zu einem Weihnachtstableau mit geflügelten Engeln auf. Und zuletzt sah man von ihm ein ganzes Gemach, auf Gelb gestimmt, mit landschaftlichen Panelen von rosig-violettem Farbenhauch, denen man übrigens den Einfluß der Klimtschen Landschaften ansah.

Wilhelm Bernatzik - Das Paradies - Tryptychon (1904)

Er war ohne Zweifel in steter Vertiefung und Vergeistigung begriffen,
man durfte da noch viel Gutes erwarten.

Ich brauche mehr Details
Für die Statistiker zuletzt ein tabellarischer Lebenslauf, soweit es die im Internet verfügbaren Informationen hergeben:

1853: Geboren am 18. Mai 1853 in Mistelbach (Niederösterreich). Bruder des Staatsrechtlehrers Hofrats Prof. Dr. Edmund Bernatzik.
18xx: Beginn eines Jurastudium in Wien
1873: Abbruch, um an der Akademie der bildenden Künste Wien unter Eduard Peithner von Lichtenfels die Spezialschule für Landschaftsmalerei zu besuchen
1875: Erhielt er die goldene Füger-Medaille für eines seiner ersten Werke Kain erschlägt seinen Bruder Abel
187x: Großes Bild Sturm an der Küste von Istrien
1875 - 1878: Studium an der Düsseldorfer Akademie, wo er vor allem Wald- und Sumpflandschaften malte
18xx: Gemälde Jahrmarkt in Lundenburg
1878 - 188x: Studium bei Léon Bonnat in Paris. Porträt und Figurenmalerei
1880: Ab diesem Jahr war er Mitglied im Wiener Künstlerhaus bis zur Gründung der Secession 1897
1880: Ausstellung Künstlervereinigung Wien -> Zeichnung mit dem Titel Landschaft
1881: Prozession in Dürnstein an der Donau
1884: Gemälde Der alte Prokop in seinem Obstgarten
1885: Zyklus der vier Jahreszeiten (Frühling - Spiel der Jugend, Sommer - Schweiße harter Arbeit, Herbst - Ermüdet von der Last des Lebens, Winter - Im Tode), wobei mindestens der Herbst später mit geringen Abweichungen kopiert wurde
1887: Gemälde Die Heilsboten
1887: Gemälde Die Vision des heil. Bernhard im Kreuzgang des alten Stift Heiligenkreuz gemalt, welches für die kaiserliche Galerie erworben wurde. Dort wurde ebenfalls, vielleicht zur gleichen Zeit, sein eine Madonna anmalender Mönch, Klosterwerkstätte, gemalt.
1888: Silberne Staatsmedaille (wo?)
1889: Bronze Medaille Weltausstellung Paris
18xx: Gemälde Abenddämmerung, Franz Josefs-Quai, Träumerei
18xx: Viele Bilder, Skizzen und Zeichnungen der Umgebung Lundenburgs, die er vielfach besuchte und dort vom Fürsten Wohnräume in dessen Schloss zur Verfügung gestellt bekam
1891: Internationale Kunstausstellung Verein Berliner Künstler
Bilder: Heiligenkreuz bei Baden in Österreich, Auf dem Kreuzwege und Der Versehgang
1893: Teilnahme Weltausstellung in Chicago. Medaille(welche?) für sein Gemälde Vision des heiligen Bernhard
1894: Teilnahme an der Internationalen Ausstellung in Brüssel
1894: Teilnahme an der Internationalen Ausstellung in Antwerpen. Medaille 2ter Klasse
1894: Juror bei der 3 Internationalen Kunstausstellung in Wien
1897: Gründungsmitglied(insgesamt 40 Personen) der Wiener Secession am 3 April. Austritt aus dem Künstlerhaus.
189x-19xx: Bilder für die Vereinszeitschrift Ver Sacrum.
1898: Teilnahme 1 Secessionsausstellung und Kommissionsmitglied
1898: Ausstellung 50jähriges Kaiserjubiläum in Troppau
1898: Dämmerungsbilder
1899: Teilnahme Secessionsausstellung
1899: Gemälde Märchensee wurde direkt an das Hofmuseum verkauft
1899: In den Ausschuss der Generalversammlung der Vereinigung bildender Künstler Österreichs gewählt
1900: Teilnahme Secessionsausstellung
1902: Teilnahme Secessionsausstellung
1902: Gemälde Die Flamme(Felsenschlucht, vier bläulich verschleierte Frauen beschwören gelblich loderndes Feuer)
1902-1903: Präsident der Wiener Secession
1903: Große Impressionismus-Ausstellung zusammen mit Josef Engelhart und Julius Meier-Graefe organisiert
1903-1904: Gemälde Eingang zum Paradies
190x: Gemälde für das Naturhistorische Hofmuseum in Wien. Goldgewinnung in Nevada und Goldbergbau von Vorospatak, Siebenbürgen.
1904: Im Rahmen der Secessionsausstellung ein eigener, künstlerisch eingerichteter Raum. Gelbe Wände mit violett-rosigen Gemälden.
1905: 14. Juni Abspaltung von der Wiener Secession mit Klimt und anderen Künstlern
1906: Nach längerer Krankheit (mehrere schwere 'Anfälle') gestorben am 25. Nov. 1906 in Hinterbrühl in der Villa seines Schwagers Marx an der Thalstrasse nach Gaaden.
1907: Große Gedächtnisausstellung in der Galerie Miethke.

Wunsch

Wilhelm Bernatzik - Weiher (um 1900) (100 x 71 cm)

Ich würde mir wünschen, mehr von diesem akademisch geschulten Maler zu sehen. Vor allem große, farbige Aufnahmen. Erst dann kann man Bernatzik Leistung und Können wirklich beurteilen. Auch wenn ich kein begeisterter Anhänger des Impressionismus bin, bietet die poetische Malerei, wie es seine Zeitgenossen formulierten, bestimmt einen angenehmen Kontrast zu den alles überstrahlenden Köpfen Klimt, Monet oder Renoir.

Was ist Kunst? (Teil 2)

2009-11-12T02:43:00.000-08:00

Zur Zeit lese ich wenig über die Kunstgeschichte des 19. Jahrhundert.

Deshalb nochmal (Teil 1 findest du hier) etwas Grundsätzliches zu meinen Kunstansichten, die den heutzutage vorherrschenden Standardansichten vollständig widersprechen.

Was ist Kunst?

Das einzige Kriterium, ob etwas als Kunst betrachtet wird, ist das von dem Werk ausstrahlende Können.

Können ist aus meiner Sicht ein rein technischer Aspekt.

Wenn ein Werk in ähnlicher Qualität von einem Hobbymaler mit den gleichen Hilfsmitteln kopiert werden kann, dann ist es keine Kunst.

Adolf Hölzel - Anbetung (1912)
Öl auf Leinwand (85 × 67 cm)

Simpel, zu simpel für viele, aber dies ist in meinen Augen der einzig wahre Eichtest. Deshalb ist in der Regel Objektkunst oder abstrakte Kunst keine Kunst. Dekorativ oder gefällig vielleicht, aber keine Kunst. Solche Sachen haben nichts in einem Museum verloren und sind in der Regel schlicht und einfach nur dilettantischer Müll.

Kasimir Malevich - Supremus No. 58 (1916)

Als Beispiel seien zwei aktuelle Preisvergaben vorgestellt. Zum einen der Kasseler Kunstpreis 2009 (man könnte blind fast jeden anderen Kunstpreis in Deutschland wählen, aber Kassel ist aufgrund seiner documenta-Ausstellung, der Königin der Kunstausstellung ohne Kunst, eine verführerische Stadt für diese Zwecke) und zum anderen der ARC Nachwuchswettbewerb 2009. Dreimal darf geraten werden, wer etwas mit Kunst zu tun hat und wer nicht und wie der Stand der Kunst in den jeweiligen Ländern ist...

Was ist, wenn ich nicht weiß, wie das Werk entstanden ist?

Carl Friedrich Lessing - Heimkehrender Kreuzritter (1835)
Öl auf Leinwand (66 x 64 cm)

Nehmen wir mal an, es hängt in einem Museum eine ausdrucksstarke, kunstvolle Zeichnung, die sich offensichtlich von den Versuchen eines Laien unterscheidet. Es ein Kunstwerk, welches seinen Platz dort verdient.

Nun nehmen wir an, dass die Kopierergeräte späterer Generationen Ergebnisse erzeugen, die Zeichnung und Gemälde nicht mehr von den Originalwerken unterscheiden lassen. Es wird nun bekannt, dass die Zeichnung im Museum eine Druckkopie ist und nicht, wie bisher vermutet, ein von Menschenhand geschaffenes Werk. Dann hat dieses Bild, welches vor kurzem noch als große Kunst angesehen wurde, seinen Wert verloren. Natürlich und trivial.

Ein anderer vereinfachter Fall. Das Original ist ein Meisterwerk, die im Museum hängende Zeichnung jedoch eine mit Projektion und simpler Durchzeichnung erstellte Kopie(was bei wirklicher hochwertigen Zeichnungen, da sie mehr als reine Konturen zu bieten haben, natürlich nicht möglich ist), dann mag das Ergebnis genauso schön wie das Vorbild sein, hat aber damit seinen Kunstwert verloren.

Oder folgendes: Ein Gemälde wird in bester Manier von einem Könner seines Fachs kopiert (so sagt man von Franz von Lenbach, dass seine Kopien für die Schackgalerie fast noch besser waren als die Originale. Da ich noch nie eines dieser Gemälde gesehen habe, kann ich es nicht beurteilen), so ist dies Kunst, auch wenn der Künstler an den Inhalt des Bildes keine Gedanken verschwenden musste. Vorzug gebührt hierbei natürlich dem Erstwerk, aber Kunst ist die Kopie trotzdem und kann einen Platz im Museum verdienen.

Skulpturen können heutzutage per computergesteuerter Fertigung in Perfektion hergestellt werden. Wenn ein identischen Werk von Menschenhand geschaffen wurde, ist es Kunst. Das gleiche Werk maschinell hergestellt, hat seinen Kunstwert jedoch völlig verloren.

Aber das Technische kann doch nicht alles sein?

Aus der Sicht, ob es Kunst ist oder nicht, schon!

Hiermit ist jedoch keine Hierarchie gemeint in der Art: je vollendeter das Werk, desto kunstvoller ist es.

Carl Friedrich Lessing oder Anton von Werner sind zwei meiner Lieblingsmaler. Beide sind bekannt für ihre vollendete Umsetzung. Aber auch John William Waterhouse, der häufig Abschnitte seiner Gemälde weniger fein ausmalt (nicht gerade auf dem unten gezeigten Gemälde, aber dieses ist eines meiner Lieblingsgemälde und ich musste es einfach zeigen...), ist einer meiner Favoriten.

John William Waterhouse - The Lady of Shallot (1888)

Franz von Lenbach legt sein ganzes malerisches Gewicht häufig nur auf die Augen des Dargestellten, alles andere ist verschwommen, angedeutet gemalt. Ist er deshalb ein minderwertiger Künstler? Nein, er ist ein Meister des Pinsel und seine Porträts üben eine Faszination aus, die vielen klassisch vollendeten, jedoch steifen Porträts fehlt.

Franz von Lenbach - Clara Schumann (1878-79)
Pastell

Was ist den mit dem Inhalt des Bildes, der Intention des Künstler?

Das Inhaltliche spielt als Kriterium, ob etwas als Kunst betrachtet werden kann, keine Rolle. Will nicht verleugnen, dass subjektiv eine Thema mehr anspricht oder besser umgesetzt ist als das andere. Große und kleine Kunst scheidet sich am Thema, Komposition und gelungener Umsetzung. Natürlich. Aber hinsichtlich der Unterscheidung von Kunst und Nichtkunst, und darum geht es in diesem Bericht, spielt dies überhaupt keine Rolle.

Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts galt es als selbstverständlich, dass ein Kunstwerk eine Bedeutung haben musste. Biblische Geschichten, altertümliche Sagen oder Zeitgeschichte waren die höchst angesehensten Themen.

Gegen dieses inhaltliche Primat ankämpfend gab es mehrere Bewegungen, eine verschiedener als die andere.

So kam die L’art pour l’art oder Ästhetizimusbewegung im 19. Jahrhundert auf (ein typischer Vertreter ist Albert Joseph Moore, dessen Bilder, ohne mythologischen oder sinnschweren 'Ballast', schöne Frauen in antiken Gewändern zeigen), deren Gemälde 'nur' schön wirken sollten. Literarische oder geschichtliche Kenntnisse waren für den vollen Genuss des Bildes nicht von Belang.

Albert Joseph Moore - Midsummer (1887)

Ein ähnliches Ziel(neben anderen) hatte auch der Impressionismus, der den ersten Eindruck(über diese Floskel kann man schön streiten) , festhalten wollte. Oder der Realismus, der den grauen Alltag auf den Thron des Darstellbaren gehoben hat.

Ihnen allen war gemein, dass sie das inhaltliche Spektrum erweiterten.

Aber wie weit das Spektrum auch ist, es gibt selbstverständlich immer Richtungen, die einem mehr gefallen als andere. Ich schaue mir mit Begeisterung Historiengemälde der akademischen Maler des 19. Jahrhunderts an. Deren Gemälde sind meist voller Details, interessanter Stellen und lebendiger Personen. So beschreiben Gemälde Anton von Werners geschichtliche Ereignisse des 19. Jahrhunderts. Einen schnelleren und besseren Einblick und ein Gefühl für diese Zeit kann man kaum gewinnen. Wenn das Ganze auf technisch hohem Niveau umgesetzt ist, ist dies große Kunst und nicht, wie heutzutage behauptet, einfache Zeitgeschichte ohne Kunstwert.

Anton von Werner - Kaiser Friedrich als Kronprinz auf dem Hofball (1878)
Öl auf Leinwand (118 x 95 cm)

Paul Cézanne - Stillleben mit offener Schublade (1877-1879)
Öl auf Leinwand (33 x 41 cm)

Nebenbei bemerkt: Der fehlende Tiefgang der impressionistischen Gemälde führte noch vor Ausbruch des ersten Weltkrieg zu einem abflauten des Impressionismus-Hype, der in den Jahren zuvor häufig als einzig selig machende Kunstrichtung angesehen wurde. Man war nun der sinnlos sinnlichen Gemälde überdrüssig und wollte wieder bedeutungsvollere Aussagen und Inhalte erblicken. Mein Problem wäre das nicht gewesen, meine Kritik am klassischen Impressionismus ist rein formaler Natur, dass halbgare Studien als fertige Bilder gepriesen werden. Dies gilt häufig für die Dauerbrenner Pissarro, Sisley, Monet und Konsorten,

Alfred Sisley - Die Seine bei Bougival (1876)
Öl auf Leinwand (45 x 61 cm)

aber weniger für die schweren Kaliber des akademischen Impressionismus (Krøyer, Sorolla, Boldini und Co), die jedoch leider bei weitem nicht so bekannt sind.

Giovanni Boldini - Landstrase bei Combes-la-Ville (1873)
Öl auf Leinwand (69 x 101 cm)

Wer an der Oberfläche kratzt, lernt den Inhalt nicht kennen, oder?

Schon wahr. Aber genau dieser Inhalt unterliegt dem Zeitgeist und dem persönlichen Geschmack und hat als Kriterium für Kunst nichts verloren. Der Inhalt ist das breite Spektrum, welches das Interessante und Hochwertige vom weniger Interessanten und Minderwertigen scheidet. ABER. Was mir gefällt, gefällt dir noch lange nicht.

Ein Bild Hieronymus Boschs hatte für seine Zeitgenossen eine eindeutige und unmissverständliche Bedeutung. Uns heutigem Betrachter sind diese Allegorien und Symbole oft nicht mehr bekannt, die Fachleute widersprechen sich. Die Bilder Tizians oder Leonardos haben häufig religiös, christlichen Inhalt. Der ist für viele Menschen heutzutage nicht mehr von Bedeutung oder langweilt sie. Trotzdem sind diese Künstler große Meister ihrer Zeit. Und warum? Vor allem wegen ihrer großen technischen Fähigkeiten, ihrem Können.

Ein Porträt, welches für den einen Tiefgang besitzt und den Charakter der Person zeigt, ist für den anderen einfach nur ein Gesicht.

Ein Landschaftsbild steckt für den einen voller Poesie, für den anderen sind es einfach ein paar Bäume, die ein bisschen mehr Farbe vertragen könnten.

Die schlesischen Weber von Carl Wilhelm Hübner sorgten zu seiner Zeit für gesellschaftskritische Furore, heute würde solch eine Darstellung keine soziale Ader mehr pulsieren lassen.

Carl Wilhelm Hübner: Die schlesischen Weber (1844)
Öl auf Leinwand - 119 x 158 cm

und so weiter und so fort ...

Grenzziehung

Peder Sverin Kroyer - Hipp, Hipp, Hurra (1884-1888)
Öl auf Leinwand (134,5 x165,5 cm)

Mit dieser Art von Kunstbetrachtung wird keine Hierarchie aufgebaut, sondern eine Grenze gezogen. Eine technische Grenze. Und vor dieser Grenze bleiben große Teile des geschätzten Kunstschrott unserer Zeit stehen, weil ihnen der Einlass aufgrund ihrer dilettantischen Qualität verwehrt wird.

Umberto Boccioni - Die Stadt erhebt sich (1910)
(200 x 301 cm)

Oder, wie ein weiser Türsteher einst sagte:

Du kommst hier ned rein

Ideenklau und intime Küsse

2009-10-17T01:11:00.000-07:00

Keine Angst vor bärtigen Römern

Im deutschsprachigen Internetraum gibt es fast keine Seite, die sich unbeeinflusst von der modernen Meinungsmache mit den wahren Meistern der Kunst des 19. Jahrhunderts beschäftigt. Dieses Problem haben englischsprachige Leser nicht. Einer der empfehlenswertesten Blogs ist sicherlich beardedroman.com. Dort werden häufig wenig bekannte akademische Künstler und ihre Geschichten vorgestellt. Immer in einer Art geschrieben, die den verdienten Respekt vor der Arbeit und Leistung dieser Meister entlockt. Hier ist keine trockene Ansammlung von Fakten zu finden, sondern eine leicht zu lesende, kenntnisreiche Beschreibung der damaligen Zeit.

Etwas für Erbsenzähler

Nur bei einem Bericht, der sich mit Adolph Menzel beschäftigt, habe ich Erbsenzähler was zu korrigieren, da es über die Hauptakteure interessanten Klatsch zu verbreiten gibt.

Ernest Meissonier - Selbstportät

Menzels Werdegang wird treffend beschrieben, nur sein Bezug zu Frankreich wird verzerrt dargestellt. So wird seine Freundschaft mit Ernest Meissonier und die regelmäßigen Besuche der französischen Hauptstadt hervorgehoben. Das wirkt fast, als ob ein lebenslanger Kontakt zwischen den beiden bestanden hätte. Dies war jedoch nicht der Fall. In Frankreich war Menzel nur dreimal im Rahmen der großen Ausstellungen 1855, 1867 und 1868 in Paris. Und der Freundschaftsbegriff wird in Bezug auf Meissonier auch etwas arg strapaziert. Vielleicht übersetzt ich es auch falsch und der Autor meinte eher ein freundschaftliches Verhältnis. Wie dem auch sei, lassen wir mal die Fakten sprechen.

Kleine Riesen

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhundert war besagter Meissonier nicht irgendwer, sondern der bestbezahlte Künstler weltweit. Bewundert von seinen Kollegen fiel sein Name immer dann, wenn Vergleiche im ganz großen Maßstab anstanden.

Sein kleineres Pendant im deutschsprachigen Raum war Adolph Menzel. Und klein ist hier bestimmt das richtige Wort. Denn beide, sowohl Menzel als auch Meissonier, konnten kaum über eine höhere Tischkante blicken. Menzel war nur 1,40 groß und der Franzose maß auch nicht sehr viel mehr und wurde auch mal spöttisch als 'ein rechter Gnom' bezeichnet.

Adolph Menzel - Foto

Beide wurden von Aussenstehenden, die sie nicht näher kannten, als grimmig, abweisend und nur mit Vorsicht zu genießende Zeitgenossen beschrieben. Nach persönlichem Kennenlernen sah das dann oft nicht mehr ganz so schlimm aus.

Es gab jedoch auch Unterschiede.

Menzel galt als Meister der Zeichnung, Lithographie, Gouache und was weiß ich nicht alles, jedoch war seine Ölmalerei und Farbgebung teilweise umstritten. Meissonier war ohne Frage der König der kleinformatigen, minutiös detaillierten Ölmalerei.

Ernest Meissonier - Das Portät des Sergeanten (1874)
Öl auf Leinwand (73 x 62 cm)

Meissonier war verheiratet, hatte zwei Töchter (soweit ich mich erinnere vor kurzem gelesen zu haben) und verbrachte viel Zeit mit Sport. Schwimmen, Fechten und Reiten waren seine Metiers. Alles Dinge, für die der ganz für seine Kunst lebende unverheiratete Menzel keine Auge und keine Zeit hatte.

Adolph Menzel - Atelierwand (Studie)

Die beiden kleinen Männer waren jedoch in der Kunstwelt Riesen. Und im Reich der Zwerge können sich Riesen nicht auf Dauer übersehen. So wundert es also nicht, dass sich ihre Wege kreuzten.

Perfektionist

Meissonier war Perfektionist. So wie Menzel. Meissonier war bekannt dafür, dass seine Bilder nicht nur einfach ein Ereignis einer vergangenen Zeit beschreiben, sondern bis ins kleinste Kostümdetail den historischen Gegebenheiten gerecht zu werden versuchen. Für die Schnellschüsse unserer Zeit ist das natürlich überflüssiger pedantischer Schnickschnack, aber für den an Geschichte interessierten Betrachter ist dies ein zusätzlicher Bonus, der den Blick auf die kleinste Nebensächlichkeit locken kann und das Bild noch bewundernswerter macht.

Ernest Meissonier - Die Kartenspieler (1872)
Öl auf Leinwand (40 x 30,5 cm)

Aus dem Nähkästchen

1862 trafen beiden Maler erstmals aufeinander. Diese und die folgende Begegnung 1867 werden wunderbar von Paul Meyerheim beschrieben, der uns einen Blick hinter die Kulissen der beiden Maler gewährt. Meyerheim war selber ein Meister des Pinsel. Jedoch aufgrund der Verehrung der größten expressionistischen Dilettanten, welche kaum eine gerade Linie zeichnen können, sind seine liebevollen, unterhaltenden Kunstwerke fast in Vergessenheit geraten. Schade.

Paul Meyerheim - In der Tierbude (1894)

Jedenfalls beschreibt er manch lustige Eigenheit der beiden Künstler. Das Menzel ein Original der speziellen Sorte war, ist mir bekannt. Aber das Meissonier ebenfalls ein schräger Vogel war, wusste ich nicht.

Schlacht mit falschem Ausgang

Meissonier plante 1862 ein Bild über 'Napoleons' Schlacht bei Leipzig. Er reiste deshalb nach Berlin um sich dort mit alten Uniformen einzudecken. Nachfolgend wollte er dann nach Leipzig reisen, um einer Truppenübung an den Originalschauplätzen beizuwohnen. Nichts ungewöhnliches für die damaligen Zeit, wie man ähnliches zum Beispiel im Bericht zu Anton von Werner nachlesen kann. Das besondere ist jedoch, dass laut Meyerheim der Franzose etwas naiv war und erst in Berlin erfuhr,

daß die Franzosen die Schlacht bei Leipzig so recht eigentlich nicht gewonnen hätten.

Erste kraftvolle Berührung

Man kann halt nicht alles wissen und solche Nebensächlichkeit erst gar nicht.

Eines wusste Meissonier aber. Nämlich,

daß er, wenn er nicht Meissonier wäre, gerne Menzel sein würde.

Wenn das kein Lob ist dann weiß ich es nicht. Aber wie sah Menzel das Ganze?
Um es vorwegzunehmen, nicht ganz so euphorisch. Aber er war trotz allem zeitlebens voller Hochachtung vor dem künstlerischen Schaffen des berühmten Franzosen.

So war die erste Begegnung der beiden Künstlerpersönlichkeiten im Rahmen Meissoniers Besuch 1862 in Berlin recht skurril. Menzel hasste die französische Sprache und beherrschte sie kaum, und so bestand ihre Unterhaltung,

wenn gerade niemand zum Dolmetschen bereit war, gewöhnlich darin, daß einer dem anderen auf den Rücken klopfte.

Dreister Ideenklau

Menzel hatte zu dieser Zeit sein nie vollendetes Bild Friedrich der Große mit seinen Generälen vor der Schlacht bei Leuthen auf der Staffelei. Ein Bild, welches Meissonier voller Bewunderung betrachtet haben soll.

Adolph Menzel - Friedrich der Große mit seinen Generälen vor der Schlacht bei Leuthen (Unvollendet)
Öl auf Leinwand

Und, wie Meyerheim andeutet, nicht nur betrachtet, sondern auch zu eigen gemacht. Denn direkt von Berlin zu Hause angekommen, begann Meissonier mit seinem weltberühmt gewordenen Gemälde, Napolean auf dem Rückzug 1814, welches vielleicht nicht nur zufällig Parallelen zu Menzels Werk zeigt.

Ernest Meissonier - Napoleon auf dem Rückzug 1814 (1864)

auf der zerstampften und zerfahrenen Schneedecke sieht man in der Ferne fast nur Silhouette gegen den grauen Himmel die Armee vorüberziehen. Vorn stehen, in dicke Mänteln eingehüllt, mit verfrorenen Gesichtern...

Es gab viele Spekulationen, warum Menzel sein Leuthen Bild nie vollendete. Die Erklärung Meyerheims war einfach:

Der wahre Grund aber, weshalb es nicht vollendet wurde, ist wohl der, daß vorzeitig Meissonier alle Pointen dieses Bildes 'nachempfunden' hatte, um sein allerdings schönstes Bild zu malen.

Intime Küsse

Ihre nächste Begegnung im Rahmen der Weltausstellung 1867 war wieder eine nicht ganz gewöhnliche. Rückenklopfen wie bei ihrer ersten Begegnung war Vergangenheit, diesmal stürzte Meissonier, als er den kleinen Adolph sah, auf ihn zu, umarmte ihn heftig und küsste ihn, Achtung, auf die Ohrläppchen. Richtig gelesen, Ohrläppchen. Merkwürdig für uns naive Mitteleuropäer des 21 Jahrhunderts, aber vielleicht normal für die damalige Zeit. Wer weiß...

Adolph Menzel - Der Palastgarten von Prinz Albert (1846)
Öl auf Leinwand

Der Grund für die intime Begrüßung war jedenfalls ein schöner. Denn Meissonier beglückwünschte Menzel für die gerade bekanntgegebene Auszeichnung im Rahmen der großen Preisverkündigung. Jedoch hatte Menzel (und sein Begleiter Meyerheim ebenfalls nicht) nichts von alldem im lauten, hektischen Trubel der Veranstaltung mitbekommen.

Adolph Menzel - Friedrich und die Seinen bei Hochkirch (1856)

Sein Hochkirchbild war geehrt worden und ein Orden sollte ihm verliehen werden, nein, davon wusste er nichts. Mühsame Überzeugungsarbeit Meissoniers war notwendig, um Menzel von seinem Glück zu überzeugen:

denk dir (sagte Menzel), ich bin noch im tiefen Schlaf, da klopft es heftig an meine Tür; ich wache auf, besinne mich, daß ich in Paris bin, nehme mein ganzes Französisch zusammen und frage: qui est la(wer ist da)?
Da antwortet es draußen: Monsieur Meissonier, und ich, im Halbschlaf, erwidere, ce n'est pas ici(er ist nicht hier).
Als mir die Sache klar wurde, stand wirklich Meissonier vor mir, um mir mitzuteilen, daß alles richtig sei, daß er beim Minister gewesen, daß ich wirklich den großen Orden erhalten und daß wir abends bei ihm essen sollten.

Heimliche Differenzen

Ganz so harmonisch, wie man vermutet, war dieser Abend dann doch nicht verlaufen.
So berichtet Meyerheim von einer Begebenheit, in der Menzel das noch unvollendete Napoleonbild begutachtete und nach längerem Betrachten, währenddessen Meissonier ungeduldig die Vorzüge seines eigenen Bild anpries, Menzel auf Napoleons Arm mit dem Hut verwies und sagte :

"Das bleibt wohl noch nicht so?" Qu'est-ce qu'il a dit(was hat er gesagt) raunte mir Meissonier zu; ich versuchte, die Worte in milder Form zu übersetzen.
Das Ende der schwierigen Unterhaltung war, daß Menzel auf einem Blättchen Papier hinzeichnete, wie der Arm mit dem Hut sein müsse, und auch noch mit ein paar
Strichen den Kaiser hinzufügte. Von dieser Zeichnung war Meissonier ganz begeistert.

In seinem anderen Atelier hatte Meissonier ein kleineres Bild auf der Palette und nach einigem sinnieren schlug Menzel eine Änderung vor, die der Franzose direkt, in Anwesenheit seiner Schwester und des ebenfalls eingeladenen Malers Ricard, umsetze. Und genau diese Szene hatte Menzel einige Jahre später in einem kleinen Ölbild festgehalten, welches nachfolgend abgebildet ist.

Adolph Menzel - Meissonier in seinem Studio in Poissy (1869)
Öl auf Leinwand (21 x 29 cm)

Das war es aber dann auch mit den Liebswürdigkeiten. Andeutend, aber nicht auf Details eingehend, schreibt Meyerheim:

Der weitere Verlauf des Tages war weniger amüsant. Viele gute Haare wurden an den berühmten Zeitgenossen nicht gelassen.

Letzte Begegnung

Ein letztes Mal trafen sie sich im Rahmen von Menzels Besuch der großen Pariser Ausstellung 1868. Bei dieser Gelegenheit erhielt er als Geschenk von Meissonier eine Photographie von dessen Gemälde "Mann am Fenster" (da nachstehende Bild ist wohl gemeint), welches seinen ehrenvollen Platz an Menzels Atelierwand fand.

Ernest Meissonier - Mann am Fenster

Kriegsfolgen

Seit Ausbruch des Deutsch-Französischen Krieges 1870 vermied Meissonier jeden Kontakt mit deutschen Künstlern und so kam keine weitere Begegnung dieser beiden großen Maler zustande. Der Stachel, den die deutschen Eroberer in Frankreich hinterlassen hatten, saß bei Meissonier zu tief:

Kein Deutscher hat seit dem Krieg seinen Fuß in mein Haus gesetzt und wird es künftig tun.

Ernest Meissonier - Die Belagerung von Paris (Studie)

Ordensreiter und Spachtelfink

Der Respekt war weiterhin vorhanden, aber ein kleiner Seitenhieb klingt im nachfolgenden kräftig mit.

Ernest Meissonier - Die Arthusage

So war es eine besondere Freude Menzels, dass er einen höheren französischen Orden als Meissonier besaß. Und von Meissonier stammt die kritische Prophezeiung über den Wert Menzels grobspachteliger, impressionistischer Ölgemälde:

Meine Herren, warten Sie es nur ruhig ab, ich glaube, von uns allen hier wird Menzel einmal der einzige sein, der mit seiner abscheulichen Ölmalerei Recht behält.

Man dankt!

Adolph Menzel - Bildnis einer Dame (evtl. Friederike Arnold)

Wirkliche Freunde waren die beiden Maler nie, aber die Kunstgeschichte wäre ohne ihre Begegnung um einige Anekdoten ärmer.

Lernen von den Alten (Lenbachs Credo)

2009-09-03T11:16:00.000-07:00

Bewunderter Malerfürst

Franz von Lenbach - Selbstportät (um 1900)
Öl auf Leinwand

Franz von Lenbach - Tochter Gabriele (um 1901)
Öl auf Pappe (77 x 62,5 cm)

Franz von Lenbach war der gefragteste deutsche Porträtmaler seiner Zeit. Alle die Rang und Namen hatten ließen sich von ihm porträtieren. Sein Lieblingsopfer war Otto von Bismarck, den er über 80 Mal auf die Leinwand zauberte.

August Macke - Franz Mark (1910)
Öl auf Pappe (50 × 39 cm)

Franz von Lenbach - Fürst von Bismarck

Die Stärke Lenbachs lag, wie viele Zeitgenossen behaupten, in der Erfassung des Wesen seines Gegenüber. Und dies fand er meist im Gesicht wieder, auf dem das alleinige Augenmerk vieler seiner Porträts lag. Vor allem die Augen waren bis ins Detail ausgemalt, alles andere ließ er gerne verschwommen angedeutet oder stellte es gar nicht dar.

Ratschläge des Meister

Er galt als der vielleicht größte Kenner altmeisterlicher Techniken und sein Urteil über die neu aufkommenden Kunstströmungen seiner Zeit war vernichtend.

Marianne von Werefkin - Selbstbildnis (um 1910)

Franz von Lenbach - Mädchenporträt
Pastell auf Pappe (69,2 x 45,7 cm)

Dies ist auch der Grund für das folgende lange Zitat, in dem sein künstlerisches Credo in Auszügen wiedergeben ist. Dieses Zitat ist u.a. in der Zeitschrift Die Kunst : Monatsheft für freie und angewandte Kunst - Band 8 im Jahre 1903 veröffentlicht (siehe hier:), dessen Herausgeber Friedrich Pecht ihn für den vielleicht besten deutschen Maler des 19. Jahrhundert hielt.

Ernst Ludwig Kirchner - Portrait Alfred Döblin (1912)
Öl auf Leinwand (50,8 x 41,3 cm)

Franz von Lenbach - Theodor Mommsen (1898)

Hier also die Meinung Lenbachs zu dem um die Jahrhundertwende immer mehr an Bedeutung gewinnenden dilettantischen Realismus und Expressionismus, der noch in unserer Zeit, im Gegensatz zu den Meistern des 19. Jahrhunderts, hoch geschätzt wird.

Otto Mueller - Selbstportät
Tempera auf Leinwand (66 x 47.9 cm)

Franz von Lenbach - Bildnis Fürst zu Hohenlohe-Schillingsfürst (1896)

Ich glaube nicht, daß irgend eine Epoche der ruhigen zielbewußten Entwicklung begabter Maler so ungünstig gewesen ist, als die unsrige.
Die fortlaufende Tradition ist jählings unterbrochen. -- Der erste beste Anfänger hält es für das einzig Richtige, direkt an die Natur zu gehen, und sich von den „längst überwundenen Standpunkten" seiner Vorgänger tunlichst frei zu machen.

Wer keck genug ist, ohne Wahl und Geschmack sein Selbstgeschautes, wenn auch in abschreckender Weise, auf Leinwand zu bringen, der bildet sich ein, er habe die Kunst erfunden.
Auf keinem anderen Gebiete als leider dem künstlerischen wäre es denkbar,
daß der junge Nachwuchs die Erfahrungen der Generationen von früheren einfach mißachtete und dekretierte: „Mit mir fängt die Entwicklung von vorne an." --
Wenigstens würde es recht merkwürdige Folgen haben, wenn in Sachen der Wissenschaft oder Industrie jemand sich aus Selbständigkeitswahn nicht mehr der schon gewonnenen Vorteile bedienen und die Grundlagen des Handwerks so außer Augen setzen wollte, wie es in Bezug auf unsere Kunstmittel geschieht.
Sich gründliche Kenntnis der Maltechnik zu verschaffen, gilt als veraltet und ganz überlebt -- und doch waren gerade die geistigsten, im höchsten Sinne künstlerisch begabten alten Meister am eifrigsten auf Vervollkommnung der Technik bedacht; aber sie wurden eben gewissermaßen schon in dem Wasser geboren, darin sie künftig schwimmen sollten, während sich heutzutage jeder das Wasser, das sein Lebenselement werden soll, erst mühsam selbst herbeischleppen muß. Beim Hinblick auf unsere heutige „originelle" Kunstjugend muß ich bisweilen an Goethes Verse denken:

Ein Quidam sagt, ich bin von keiner Schule,
Kein Meister lebt, mit dem ich buhle;
Auch bin ich weit davon entfernt,
Daß ich von Toten was gelernt. --
Das heißt, wenn ich ihn recht verstand:
Ich bin ein Narr auf eigne Hand! --

Jedenfalls ist die jetzige Methode, nach welcher es nur noch Meister und keine Lehrlinge mehr gibt, sehr kraft- und zeitraubend, da der einzelne nicht mehr durch die Erfahrungen seiner Vorfahren, sondern, wenn überhaupt, erst durch eigenen Schaden klug wird.

....

Was jene geleistet -- meint man -- möchte für ihre Zeit ganz löblich gewesen sein -- , sie aber, die Kinder der neuesten Zeit, dürften nicht rückwärts schauen, nichts von den Alten lernen, nicht einmal die Mittel von ihnen annehmen, mit welchen jene Großen ihre unvergänglichen Wirkungen erzielt haben. Denn sie bilden sich ein: wenn sie sich an der Hand der bewunderten Meister leiten ließen, den Weg zu Wahrheit und Natur nicht zu finden, der doch nicht zu verfehlen sei, wenn man nur den Mut habe, mit Scheuklappen gegen fremde Eindrücke vor den Augen, der eigenen werten Nase nachzugehen. Nur Neues, nie Dagewesenes muß probiert, Sensation muß gemacht werden.

100 Jahre nichts geändert

Es hat sich jedoch seit über hundert Jahren nichts an der Situation geändert. Wer die Informationsbroschüre beispielsweise der Düsseldorfer Kunstakademie liest, kann hier nur mit Unverständnis den Kopf schütteln. Arme Studierende fällt mir dazu nur ein.

Denn Kunst kommt von Können, auch wenn alle Kunstakademien in Deutschland dies aufgrund mangelnder Alternativen gerne anders verkaufen.

Wer's glaubt wird vielleicht selig, aber den Malerfürst Franz von Lenbach würden sie auch heute nicht davon überzeugen!

Franz von Lenbach - Clara Schumann (1878-79)
Pastell

Skandal Munch

2009-08-21T08:43:00.001-07:00

Im Folgenden möchte ich auf den Fall Munch des Jahres 1892 eingehen, der einer der Auslöser für die Gründung der Berliner Secession war. Dieser Fall wurde vielfach beschrieben, meiner Meinung nach aber viel zu einseitig.

Unterlegt habe ich das Ganze mit Bildern beider Seiten, um nicht nur im Trockenen zu schwimmen. Leider kann ich aufgrund der 70 Jahre Sperrgrenze keine Bilder Munchs zeigen, aber die zeitlich zulässigen Expressionisten stehen ihm in nichts nach und werden ernsthaft in Museen als besonderes beachtenswert gezeigt. Als ein Fortschritt der Malerei unter dem Primat der Ästhetik, wie eine der hohlen Floskeln heißt.

Unbekannter Maler

Aufgrund einer Empfehlung des Maler Adelsteen Normann lud der Verein Berliner Künstler dessen norwegischen Landsmann Edvard Munch nach Berlin ein, vielleicht um einen weiteren skandinavischen Maler die Chance zum Aufstieg in Deutschland zu geben.

Adelsteen Normann - Fischerhafen in Nordnorwegen (1880)

So, wie es Normann selber, Hans Dahl, Adolph Tidemand und anderen vergönnt war.

Adolph Mandel Tidemand - Die Andacht der Haugianer (1848)
Öl auf Leinwand (143 x 181 cm)

Munchs Bilder waren fast allen Mitgliedern des Vereins unbekannt und so vertrauten sie voll und ganz auf den Rat ihres Kollegen. Man wollte den Berliner etwas besonderes bieten, etwas neues. Was jedoch genau auf sie zu kam, wusste außer Normann keiner so genau.

Hans Dahl - In Erwartung seiner Rückkehr

Hoffnung

Die Ausstellung wurde mit der Umschreibung Ibsenscher Stimmungsbilder mit sozialem und psychologischen Tiefgang eines genialen norwegischen Malers umworben. Dies suggerierte eine initime, realistische Bilderwelt in der Art des in den 90er Jahren aufkommenden Naturalismus oder Symbolismus, gepaart mit skandinavischen Einflüssen. Leon Lhermitte, Jules Bastien-Lepage, Fernand Khnopf oder Anders Zorn fallen einem ein. Diese malten manchmal mit dem breitem Pinsel der Impressionisten, aber immer in der meisterhaften akademischen Tradition mit feinen Details und gekonntem Bildaufbau.

Anders Zorn - Lappings of the waves (1887)
Aquarell (254 x 167,64 cm)

Realität

Die Spannung war groß. Als jedoch die Show mit 55 Bildern eröffnete, fuhr mit einem Schlag ein Zug der Entrüstung durch den Berliner Blätterwald und den Verein Berliner Freunde. Und so kam es nicht überraschend, dass nach der ersten der geplanten zwei Wochen die Ausstellung wieder geschlossen wurde.

Paul Adolf Seehaus - Leuchtturm mit rotierenden Strahlen (1913)
Öl auf Leinwand (49 x 45,5 cm)

Warum?

Warum war die Ablehnung groß? War dies wirklich unberechtigt? Welche Rolle spielte Anton von Werner hierbei? Und war die Kunstfreiheit in Gefahr? Dies sind Fragen, die einem in den Sinn kommen.

Urteil 1. Instanz

Die offizielle Geschichtsschreibung findet hier schnell eine Antwort. Das große, revolutionäre Neue des norwegischen Maler wurde verkannt und Anton von Werner war der Buhmann, der alles einfädelte. Dies ist im Wikipedia-Artikel zu Munch, auf der Geschichtsseite des Vereins Berliner Künstler und an vielen anderen Stellen in diesem Sinne zu lesen zu.

Ernst Ludwig Kirchner - Taverne (1909)
Öl auf Leinwand (71,8 x 81,3 cm)

Revidiertes Urteil

Schön wäre die Welt, wenn sie immer so einfach wäre. Aber die Medaille hat auch eine Kehrseite und diese möchte ich hier etwas genauer erläutern.

Inhalt

Das Besondere an den neueren Gemälden Munchs (so waren auf jeden Fall von seinen neueren Werken Der Kuss, Melancholie, Verzweiflung, Vision vertreten) war seine Fixierung auf die melancholisch, einsame, verlorene Seite der Menschen. Seine Bilder boten keine Hoffnung, was ungewöhnlich für diese Zeit war.

Fernand Khnopff - Die Klausnerin (I lock my door upon myself) (1891)
Öl auf Leinwand (72 x 140 cm)

Diese inhaltliche Komponente spielte aber bei der Ablehnung Munchs, soweit ich das den Zitaten entnehme, keine wirkliche Rolle.

Form

Der Grund der Ablehnung lag vielmehr in der Art der technischen Umsetzung. Und diese war für die damalige Zeit einfach lachhaft. Hier sollten Gemälde, die höchstens als einfache, ungeschickt gemalte Studien gelten konnten, als meisterhafte Werke dem Publikum angepriesen werden.

Marianne von Werefkin - Herbst (Schule) (1907)

Der Möbelwagen ist bepackt, die fünfunfünfzig Studien des Norwegers sind aufgeladen (Zitat Frankfurter Zeitung)

Dies war eine Beleidigung der großen Künstler der Vergangenheit und Gegenwart, die sich durch ihr großes Können von den normalen Zeitgenossen unterschieden. Ein Raffael, Caravaggio, Rubens, Rembrandt oder Tiepolo gelten als Große der Kunst nicht wegen ihres thematischen Inhalts (meist religiöse Bilder, Sagen oder Allegorien, deren genaue Bedeutung dem heutigen Betrachter nicht wirklich mehr berührt oder direkt bekannt ist), sondern wegen ihrer technischen Brillanz und ihrem Können, welches sie von ihren Zeitgenossen unterschied.
Dies sollte nun mit einem Male nicht mehr von Interesse sein?

Jules Bastien-Lepage - Joan Of Arc (1882)
Öl auf Leinwand(254 x 279 cm)

Nein, diese Vorstellung war absurd. Vielleicht nicht für die Ohren eines modernen Kunstjünger, der mit der Vorstellung aufwächst, dass alles Kunst und jeder Künstler ist und für den der Expressionismus (meine Meinung dazu hier) das höchste der Gefühle darstellt.
Dieser Unsinn war jedoch zur damaligen Zeit wenig verbreitet und macht die Reaktion umso verständlicher.

Klare Verhältnisse in der Küche

Vielleicht hilft es, den Sachverhalt nochmal auf neutralerem Boden zu verdeutlichen.

Niemand würde sich über Folgendes wundern:

Ein angesehenes Restaurant lädt für jeweils zwei Wochen Gastköche ein, um seinen Kunden einen Blick in die Kochtöpfe anderer Länder zu ermöglichen. Einer dieser Köche war ein ungeschriebenes Blatt, aber aufgrund einer Empfehlung eines Bekannten eingeladen worden. Sein Kommen wurde mit hochlobenden Worten in der Zeitung beworben.

Man freute sich auf das neue Geschmacksfeuerwerk und der Andrang war groß. Jeder wollte mal kosten.

Jedoch als die ersten Gäste ihre gefüllten Teller sahen, war das Erstaunen groß.
Dieser Mensch kochte ganz anders als man dies kannte. Alles war roh, nichts gekocht, gegrillt oder gewürzt. Mit einer revolutionären Ausnahme. Sand wurde als besonderes Geschmackserlebnis allem beigegeben. Dies war bodenständig, billig, neuartig und für jeden machbar.

Geschmeckt hat es Niemanden und deswegen gab es einen kräftigen Tritt in den Allerwertesten. Dieser Koch war eine Beleidigung für jede Küche und er konnte nicht weiter geduldet werden. Wenn kochen so schnell und einfach wäre, warum gab es dann diese lang ausgebildeten und hart arbeitende Sterneköche. Dann wäre jeder ein Meisterkoch.

Paul Gauguin - Armer Fischer (1896)

Léon Lhermitte - Löhnung der Erntearbeiter (1882)
Öl auf Leinwand (215 x 272 cm)

So kam es, dass im Restaurant darüber abgestimmt wurde, ob man dem Koch seine vollen, vorher versprochenen zwei Wochen geben sollte oder ob er im hohen Bogen aus der Küche fliegt. Die Mehrheit war dafür, aus dem Fehler der Einladung zu lernen und diesen dilettantischen Pseudokoch zu feuern, ehe der Ruf des Restaurant und der Kochwelt noch mehr schaden nahm. Und so geschah es.

Zum Glück aus meiner Sicht. Denn wenn es um unsere Küchen so schlecht bestellt wäre wie um unserer Museen mit ihren dilettantischen expressionistischen und abstrakten Nichtskönnerwerken, die nur aufgrund ihrer Signatur Bedeutung haben, dann hätten unsere Mägen nichts mehr zu lachen.

Anton von Werners Rolle

Von Werner sah die Bilder, wie sollte es anders sein, als Hohn für die Kunst und wahre Künstler an.

Otto Mueller - Knabe vor zwei stehenden und einem sitzenden Akt

Anton von Werner - Die Enthüllung des Richard Wagner Denkmals am 1 Oktober 1903 (1908)
Ausschnitt mit Adolph Menzel
Öl auf Leinwand (230 x 280 cm)

Aber er war nicht alleine auf einer schmalen Front. Die Schließung war kein Einzelakt, sondern wurde nach einer hitzigen Debatte durch eine breite Abstimmung im Verein beschlossen. 120 gegen 105 Stimmen für die Variante der direkten Schließung, die durch Professor Eschke beantragt wurde.
Also nicht Anton von Werner allein, sondern 120 Mitglieder des Vereins Berliner Künstler stimmten für das direkte Ende. Anton von Werner als Vorsitzender und vehementer Verfechter wirklicher Kunst war hierbei natürlich in exponierter Lage und wird deshalb wohl immer wieder als alleiniger Übeltäter betrachtet.
Oder, wie ich es formulieren würde, als unbeugsamer Kämpfer für die jahrhundertealte große Tradition der Malerei.

Zitate

Die Stimmen für die Fortführung der Ausstellung waren übrigens nicht mit der Begeisterung für die Kunst selber verbunden, sondern mit dem Glauben, sein Wort halten zu müssen.
In einem von 48 Berliner Künstlern verfassten Rundschreiben ist u.a. folgendes zu lesen:

... und deshalb verurteilen wir, ohne zu der in den Munchen'schen Bildern ausgesprochenen Kunstrichtung irgendwie Stellung nehmen zu wollen, die Schließung der Ausstellung als eine dem üblichen Anstand zuwiderlaufende Maßnahme.

Die Bilder selber waren hart Tobak auch für wohlgesonnene Zeitgenossen:

unserem Auge so ungewöhnlich, daß man sich auf den ersten Blick kaum in diesem bunten Farbenspiel von violetten und grünen Farbflecke zurechtfindet

Da hatte es ein Kritiker wie Adolf Rosenberg schon einfacher. Er erklärte:

Über die Munch'schen Bilder ... ist kein Wort weiter zu verlieren, weil sie mit Kunst nichts zu tun haben

Kunstfreiheit in Gefahr?

Und da sind wir direkt bei der letzten Frage, ob mit solch einer Entscheidung nicht die Kunstfreiheit auf's schwerste verletzt wurde?

Meiner Meinung nach nein, da die Werke Munchs aufgrund fehlenden Können wenig mit Kunst zu tun haben.

Hier ist nichts verletzt worden, hier ist der Notanker geworfen worden. Wenn bei einer Mathematiker-Konferenz ein Hochstabler auftritt, der nicht mal bis 10 Zählen kann, dann gäbe es Null Aufregung, wenn man diesem den Ton abdreht.

Egon Schiele - Neugeborenes (1910)

Aber in der Kunstwelt ist ja heutzutage Toleranz gefragt. Denn ohne diese wäre der Müll, der in unseren modernen Museen hängt, nicht zu erklären.

Der dilettantische Realist unserer Zeit, der die simpelst nachzumalenden Munchs kopiert (Bildersuche im Web liefert dafür genügend Beispiele), fragt sich natürlich, was hat eigentlich dieser Munch und die anderen jüngeren Künstler in den Museen, was ich nicht habe, außer dass sie zuerst kamen? Meine Antwort ist Glück. Ansonsten nichts.

Hermann Stenner - Grüne Frau mit gelbem Hut I (1913)
Öl auf Pappe (42,5 x 38 cm)

Ein Meisterwerk Viberts, Rembrandts oder von von Werner, um ein paar Beispiele zu nennen, wird niemals ein Laie kopieren können, weil ihnen dazu jede Fähigkeit fehlt. Deshalb sind diese drei vorher Genannten große Künstler, ein Munch jedoch nicht.

Jehan Georges Vibert - The Fortune Teller
Öl auf Leinwand (68,6 x 101,6 cm)

Um die Schattenseiten des Menschen und der Menschheit zu malen, muss man seine Kunstfertigkeit nicht, wie Munch oder Picasso, ablegen. Aber dazu ein andermal mehr...

Anton von Werner (Teil 6)

2009-08-07T05:15:00.000-07:00

Auf gehts zu den letzten vier Jahren der Biografie Anton von Werners, Erlebnisse und Eindrücke von 1870 bis 1890 und dem einmaligen Einblick in diese Zeit mit den Augen eines bedeutenden Künstler.

Anton von Werner - Fünf Kopf - Studie zum Reichstagsbild (1889)
Öl auf Malpappe (51 x 70 cm)

1886

Arbeit ohne Ende

Über zu wenig Arbeit konnte sich von Werner nicht beklagen. Anfang des Jahres beendete er Bismarcks Version der Kaiserproklamation, arbeitet an der Krönung König Friedrich I für das Zeughaus und zeichnete Illustrationen zu Scheffels Werken, unter anderem seinem Gaudeamus. Außerdem waren Studien für ein neues Bismarckporträt notwendig. Langeweile kam also wie immer nicht auf.

Damen der Gesellschaft

In dieser Zeit lernte er zwei Schwestern kennen, die in den Wintermonaten ganz Berlin verzückten. Die Malerin Marie Kirschner und ihre Schwester Aloisia, welche unter dem Pseudonym Ossip Schubin bekannt war. Die Abende bei diesen Damen lockte von Werner und viele andere der kulturellen Elite Berlins an.

Anton von Werner - Ossip Schubin (1886)
Zeichnung

Weiterhin war die Donnerstagsgesellschaft bei Kaiserin Augusta ein Muß für den Künstler. In diesen Kreisen fühlte er sich wohl und verbrachte seine Abende mit Musik und Diskussionen. Die nachfolgende Skizze zeigt, mit welcher meisterhaften Leichtigkeit Anton von Werner mit nur wenigen Strichen die Atmosphäre solch eines Abends darstellen kann.

Anton von Werner - Donnerstag-Soiree bei Kaiserin Augusta (1886)
Zeichnung

Todesnachricht

Ein trauriges Ereignis überschattete diese glückliche Zeit. Sein langjähriger Freund Victor von Scheffel verstarb im April. Dessen Tod war ein schwerer Schlag für von Werner.
Zu diesem traurigen Anlass klangen ihm die Worte im Ohr, die Scheffel zum Tode seines Freundes Friedrich Eggers schrieb:

Es ist mir, als wäre ein Stück von mir selber begraben, denn wir haben unsere Studienjahre in idealer Liebe zur Kunst und idealer persönlicher Freundschaft verlebt.

100 Jahre ists hier

Dieser Verlust schlug mit voller Wucht auf die Psyche des Künstler und von Werner war Wochen nicht in der Lage, dem anstehenden künstlerischen Großereignis seine normale, gebührende Aufmerksamkeit zu widmen.
Es galt, die Hundertjahrfeier der akademischen Ausstellungen in Berlin zu organisieren, denn vor exakt hundert Jahren hatte Friedrich II kurz vor seinem Tod diese öffentlichen Ausstellung in Berlin ins Leben gerufen. Deshalb sollte die Ausstellung nicht nur künstlerisch hochklassig werden, sondern auch in einem angemessenen Rahmen stattfinden.

Dafür wurde ein neues, prunkvolles Ausstellungsgebäude errichtet, welches der Vorderseite des Zeustempel von Olympia samt großer Freitreppe glich. Verfeinert wurde das Ganze mit
Reliefs und einem Halbrundbild von Pergamon.

Dieses glänzende Äußere zog bekannte Künstler des Auslands an, allen voran die Riege der englischen Malerelite, Frederic Leighton, John Everett Millais, Valentin Cameron Prinsep, Philip Hermogenes Calderon, Walter Crane, Edward Burne-Jones, Walter William Ouless, Edward Poynter, George Frederic Watts, James McNeill Whistler oder Lawrence Alma-Tadema.

Lawrance Alma Tadema - Expectations (1885)
Öl auf Leinwand (66,1 x 45 cm)

Walter William Ouless - Porträt des Maler Edward Armitage (1886)

Anton von Werner beteiligte sich mit drei Gemälden, Der Kongreß in Berlin, Moltke vor Paris und Kriegsgefangen. Die Ausstellung zog die Massen an, so ist von 10000 bis 12000 Personen täglich die Rede.

Pergamonfest

Pergamonfest (1886) - Foto

Der Höhepunkt in den Herzen der Berliner Künstler war aber wohl ein anderes Ereignis, welches Stadtgeschichte geschrieben hat.
Das große Pergamonfest des Vereins Berliner Künstler, an dem 1300 Kostümierte mitwirkten, um den Triumphzug des Königs Attalos und die Darbringung der Dankopfer auf der Terrasse vor dem Olympia-Zeustempel darzustellen. Die malerischen Massenbilder bei strahlendem Sonnenschein werden noch lange in den Köpfen der Beteiligten geschwebt haben und finanziell war dem Ganzen auch ein kleiner Erfolg beschieden.

Leighton, Mann von Welt

Edward von Steinle - Frederic Leighton und Enrico Gamba (1852)

Zum Ende der Ausstellung lernte er den großen Engländer Lord Frederic Leighton kennen, den er als Künstler hochschätze und als Mensch bewunderte.

Frederic Leighton - And the sea gave up the dead which were in it (1891-1892)
(228.6 cm)

Hier Anton von Werners Worte:

Bei dem ... anschließenden Festmahle machte ich die Bekanntschaft des berühmten Präsidenten der Londoner Royal Academy, Sir Frederic Leighton, der ... einen Trinkspruch ... in ebenso fließendem und dialektfreiem Deutsch erwiderte, wie ich es später noch öfter in seinen deutsch an mich geschriebenen Briefen zu bewundern Gelegenheit hatte.
Er war vor 44 Jahren in die Berliner Akademie eingetreten, dann längere Zeit Schüler von Eduard Steinle gewesen und gehörte zu den Bevorzugten, denen die Vorsehung zu dem höchsten Glück der Erdenkinder, einer bezaubernden
Persönlichkeit, und zur künstlerischen Begabung auch noch die köstliche Gabe der mühelosen Beherrschung mehrerer Sprachen in den Schoß geworfen hatte.
Leighton' ideal schöner Männerkopf, der so gar kein englische-nationales Gepräge trug, wird jedem, der ihn damals gesehen hat, unvergeßlich sein.
...
und besuchte ihn auch in London in seinem prächtigen Jungessellenheim im Holland-Park Road Nr.2 im Sommer 1891. In der Royal Academy Exhibition war
sein "Schlangenbändiger" in Marmor ausgestellt, und bei dem üblichen großen Empfang in der Akademie hatte ich die Gelegenheit, den Meister, den ich längst in seinen Werken als Maler und Bildhauer hochschätzte, nun auch in seiner Würde als Präsident zu bewundern, wie er mit der vollendeten Vornehmheit und Grazie eines Grandseigneurs die Honneurs der Akademie für die vornehme Welt Londons und zahllose Fremde machte.

Frederic Leighton - Music Lesson (1877)
Öl auf Leinwand (92,8 x 118,1 cm)

Wieder mal in Wannsee

Die Sommermonate verbrachte der Künstler wieder einmal in Wannsee.

Anton von Werner - Vor dem Seglerhaus in Wannsee

Neben seinen künstlerischen Arbeiten (Studien zu einem großen Porträt der Familie Mannheimer und dem Reiterportät für Graf Douglas, wahrscheinlich ist dieser gemeint) erfährt man hier einiges über die aufblühende Region. Zu dieser Zeit errichteten viele Künstler, wie im Folgejahr auch von Werner selber, ihre Villen in dieser malerischen Gegend. Droschken und Autos gab es noch nicht, so dass eine himmlische Ruhe herrschte. Den Weg in die Stadt erleichterte die neu errichtete Bahn, was dazu führte, dass eine ganze Kompanie der arbeitenden Bevölkerung morgens gemütlich zum Bahnhof pilgerte, um ihrer Arbeit im hektischeren Berlin nachzugehen. Unter ihnen gelegentlich auch von Werner, wenn er seinen Urlaub aufgrund von dienstlichen Terminen in der Stadt unterbrechen musste.

Anton von Werner - Der 70. Geburtstag des Kommerzienrats Valentin Mannheimer (1887)
Öl auf Leinwand (101 x 143 cm)

1887

Reichstag

Zu Beginn des Jahres war von Werner mehrfach im Reichstag zu Gast, um die Gelegenheit zu nutzen, Studien für ein Porträt Bismarcks zu zeichnen.

Anton von Werner - Fürst Bismarck am Bundesratstisch (1888)
Öl auf Leinwand (155 x 115 cm)

Eine kleine Version dieses Porträts wurde später dem noch heute existierenden deutschen Club in Melbourne, im Rahmen der Weltausstellung 1888, geschenkt.

Macher

Wie kaum ein zweiter Künstler wurde von Werner als Macher angesehen, der das volle Vertrauen seiner Kollegen besaß. So wurde ihm 1887 der Vorsitz des Verein Berliner Künstler und der Deutschen Kunstgenossenschaft angetragen. Spätestens seit diesem Zeitpunkt war er somit der wichtigste Künstler im deutschen Reich. Nicht angebiedert oder hochgeschleimt hat er sich, sondern wegen seiner brillanten Fähigkeiten als Organisator und Redner in diese Positionen gedrängt.

Verein gestärkt

Seine Zielsetzung im Verein Berliner Künstler war keine bescheidene. Er wollte das Mitspracherecht des Vereins gegenüber der Akademie stärken, die Ausstellungen besser vermarkten, die Verluste der letzten Jahre in Gewinne umwandeln und für den Verein bessere Räumlichkeiten finden.
All diese Ziele konnten unter seiner Schirmherrschaft in den folgenden Monaten und Jahren realisiert werden. Nicht immer mit vollem Beifall der Mitglieder, aber immerhin. So wurde das Vereinsvermögen 1891 aufgrund der vom Verein Berliner Künstler erstmals organisierten Akademieausstellung verdoppelt, seine Wiederwahl zum Vorsitzenden im nächsten Jahr jedoch mit nur einer Stimme Mehrheit beschlossen.
Einige Jahre später legte er dann, unter anderem aus gesundheitlichen Gründen, mit ruhigem Gewissen den Vorsitz des rundum professionalisierten Vereins nieder, den im Folgejahr 1895 Ernst Koerner antrat.

Das Ende der Welt kann kommen

Seine erste Arbeit als Vorsitzender der deutschen Kunstgenossenschaft war die Vorbereitung der Kunstabteilung der Weltausstellung in Melbourne im kommenden Jahr 1888. Eine Mammutaufgabe, die er, wie immer, mit Bravour bewältigte. So war am Eröffnungstag der Weltausstellung

der Zudrang des Publikums so stark, daß die metallenen Schutzstangen vor den Bildern eingedrückt wurden.

Jugendliche 90

Das Land stand Kopf. Der von vielen verehrte Kaiser Wilhelm I wurde 90 Jahre alt. Die Berliner Künstlerschaft war selbstverständlich voller Eifer beteiligt. Die Fassade der Akademie wurde geschmückt, Skulpturen errichtet, Friedrich Geselschap malte einen passenden Fries dazu. Das Architektenhaus schmückte ein Transparentgemälde Die Geburt Kaiser Wilhelms nach einem Entwurf von Ludwig Knaus und der Verein Berliner Künstler sendete eine von Anton von Werner gezeichnete Glückwunschadresse und ehrte den Tag mit einem ihrer Feste.

Anton von Werner - Glückwunschadresse des Vereins Berliner Künstler
zum 90 Geburtstag Kaiser Wilhelms (1887)

Königliches Bild

Zu dieser Zeit wandten sich in England lebende Deutsche an von Werner, um seine malerisches Können auch für das britische Empire zu gewinnen. Denn das 50jährige Jubiläum der Thronbesteigung Königin Victorias stand im Juni an. Als Geschenk wünschte man sich ein Gemälde, dessen Inhalt die ältestes Tochter Königin Victorias, Kronprinzession Victoria
bestimmte.

... wie Prinz Heinrich mit seiner Braut im Familienkreise am Morgen des 22. März (Hinweis: dem Geburtstag seines Onkel Kaiser Wilhelm I) vom Kaiser empfangen wird.

Da die schlauen Herrschaften reichlich spät auf die Idee zu diesem Geschenk kamen, konnte Anton von Werner zu den Feierlichkeiten im Juni nur eine, wie er es nennt,

flüchtige Aquarellskizze des Bildes anfertigen, wobei alle Anforderungen an historische Richtigkeit der Kostüme und der Örtlichkeit unbeachtet bleiben mußte, weil zu den nötigen Studien gar keine Zeit war.

Anton von Werner - Verlobung des Prinzen Heinrich am 90. Geburtstag Kaiser Wilhelm I - Farbskizze (1887)
Aquarell über Bleitstift (63,0 x 92,5 cm)

Die notwendigen ausführlichen Studien wurde später nachgeholt

Anton von Werner - Figurenstudie Kronprinzessin Victoria (1887)
Bleistift und Rötel (46,2 x 30,6 cm)

und das vollendete Gemälde nach einigem hin und her und gewünschter Korrekturen erst im April 1889 vollendet werden.

Anton von Werner - Verlobung des Prinzen Heinrich am 90. Geburtstag Kaiser Wilhelm I - Farbskizze (1889)
Öl auf Leinwand (203 x 261 cm)

Delegiertentag

Als neuer Vorsitzender musste Anton von Werner natürlich zum Delegiertentag der deutschen Kunstgenossenschaft nach München reisen. Eine Aufgabe, die er zur Auffrischung seiner Kontakte mit befreundeten Malern nutzte.
So besuchte er Friedrich August von Kaulbach in seinem Atelier und bewunderte unter anderem dessen Fächermalereien und die unkomplizierte Art des Prinzregenten Luitpold, der zur gleichen Zeit das Atelier des Künstler besuchte.

Friedrich August von Kaulbach - Oskar von Miller Porträt (1912)

Doch auch andere Kollegen wollten besucht sein.

Ich hatte noch Zeit gefunden, außer F.A. von Kaulbach auch Defregger, Albert Keller und J. Wenglein in ihren Ateliers zu besuchen, Bruno Piglheins Panorama "Golgatha" zu bewundern und einem höchst amüsanten Kellerfest der Kunstgenossen auf dem Hofbräuhaus beizuwohnen.

Bruno Piglhein - Jerusalem Panorama Ausschnitt (1886)

Bayerischer Urlaub

Als Urlaubsziel wurde dieses Jahr der südöstliche Zipfel der heutigen BRD auserkoren, Berchtesgaden.

Anton von Werner - In der Sommerfrische in Berchtesgaden (1887)
Zeichnung

Diese schöne Gegend sollte nicht nur Erholung bieten, sondern sein Skizzenbuch mit malerischen Motiven füllen. Und das tat es auch.

Anton von Werner - Berchtesgaden - Studie (1887)
Bleistift

Der malerisch-landschaftliche Reichtum der ganzen Gegend ist geradezu erdrückend. Es war in dieser Jahreszeit zwar alles noch zu üppig grün und reizte nicht gerade zum Malen, aber das Skizzenbuch war wenigstens auf allen Ausflügen, die ich mit den Meinen an den Königs- und Untersee, in die Ramsau, die Wimbach- und Ambachklamm, auf die Scharitzelalp und andere Ausflugspunkte täglich unternahm, stets zur Hand und füllte sich schnell, obgleich mein Aufenthalt mehr der Erholung als der Arbeit gewidmet sein sollte.

Anton von Werner - Kinderstudie in Berchtesgaden (1887)
Zeichnung

Da Chiemsee nicht allzu weit von Berchtesgaden entfernt war, nutze er die Gelegenheit zum Besuch des Schloss Herrenchiemsee

Was ich hier in dem an einzelnen Stellen leider schon wieder zerfallenden Wunderbau an prachtvoller Überbietung des Versailler Originals sah, war geradezu verwirrend, blendend und ein glänzendes Zeugnis für die Leistungsfähigkeit der Münchener Künstler und Handwerker, die hier ganz im stillen ein Wunderwerk geschaffen hatten.

Weiter nach Frauenchiemsee,

dem allbekannten Studienplatz der Münchener Künstler, vor allem C. Raupps, der den Chiemsee und seine Leute in allen Stimmungen verherrlicht hat,

Karl Raupp - Ein sonniger Morgen am Chiemsee (76 x 139 cm)

begrüßte ich die Maler Felix Poffart, Wopfner, Beer und Koken, und auf dem Rückweg begegnete ich auf dem Landungssteg dem Prinz-Regenten in Begleitung seiner Schwester, der Herzogin von Modena, der mich in seiner gütig leutseligen Weise ansprach und mir die Verleihung des Maximilianordens, für den ich vom Ordenskapitel an Stelle des am 21. Juli 1886 verstorbenen Direktors C. v. Piloty vorgeschlagen war, ankündigte und dazu gratulierte.

Die Rückreise führte die Familie von Werner noch nach Salzburg, wo er neben der wundervollen Aussicht das Museum, die Burg und die Kirchen,

die mit ihren Barockaltären Adolf Menzel Stoff zu so vielen seiner meisterhaften Gouachen gebeben haben.

Kaiserliche Studien für Victoria

Das Gemälde für die Königin Victoria sollte, wie schon beschrieben, perfekt gelingen. Dazu wurden Anton von Werner im Oktober Studien bei Kaiser Wilhelm I in Baden, dem Kronprinzen in Baveno und dem badischen Großherzog in Darmstadt gewährt.

Anton von Werner - Studie Prinzess Margarethe und Sophie (1887)

Zur angenehmeren Gestaltung des Modellstehen sprachen der Künstler und sein Kaiser über Gott und die Welt und so alltäglich-menschlichem wie

, daß er in letzter Zeit einige Male über den Teppich gestolpert oder auf dem glatten Parkett ausgeglitten und hingefallen sei, aber ohne Schaden davon zu tragen, "das letzte Mal, obgleich ich den Degen an der Seite trug", und wie er mit Humor hinzufügte "weil ich von der Tournüre der Erbprinzessin von Meinigen, die ja jetzt glücklicherweise Mode sind, aufgehalten wurde und sanft abglitt, ehe ich den Boden erreichte".

oder er informierte den Kaiser mehr oder weniger über die neusten Gemälde und Denkmäler, die sein Antlitz tragen, wie zum Beispiel Rudolf Siemerings Siegesdenkmal für Leipzig

Bei dem mir wohlbekannten realistisch-militärischen Feingefühl des Kaisers hatte ich es vermieden, ihm zu berichten, daß er selbst an dem Denkmal sitzend, in einem in Wirklichkeit für den Deutschen Kaiser nicht vorhandenen Krönungs- oder Kaiserornat barhäuptig, mit einem Reichsapfel in der Hand, dargestellt sei, ich war überzeugt, daß ich ihm diesen Tag damit gründlich verderben würde.

Rudolf Siemering - Leipzig Siegesdenkmal (Foto von 1900)

Im Schlafgemach des Kaiser im Hotel Messmer verabschiedete man sich

als ich den Kaiser bat, sich in das nebenan befindliche Schlafzimmer zu bemühen und mir dort noch einige Augenblicke für die ganze Figur zu posieren. Es schneite und war im Arbeitszimmer des Kaiser sehr dunkel geworden, im Schlafzimmer war es noch etwas heller; das Zimmer war aber sehr schmal, so daß sich der Kaiser dicht vor seinem Bett stellen mußte, was mir übrigens für den Fall, daß seine Majestät unversehens ermüdete, eine große Beruhigung war, Er stand aber ganz stramm in etwas vorgebeugter Stellung, wie es für das Bild nötig war, während ich natürlich in fliegender Hast zeichnetet, und er war sehr überrascht, als ich schon nach kurzer Zeit mit der Meldung, daß ich fertig sei, meinen Dank aussprach.

Heisere Zeichen

Zur Erholung weilte der schon angeschlagene Kronprinz Friedrich mit seiner Familien in Baveno. Dort wurde er mit größtem Respekt als Ehrengast verehrt.

Anton von Werner - Villa Clara in Baveno (1887)
Zeichnung

So beschreibt von Werner seine Ankunft in Baveno am Tage des Geburtstag des Kronprinzen. Es war schon dunkel,

Pallanza, Intra und Baveno waren dem kronprinzlichen Geburtstage zu Ehren festlich illuminiert, Feuerwerk und Musik in allen Orten, glänzend erleuchtete mit Laub und Teppichen dekorierte Barken glitten unter den Klängen von Musik und Gesang an der Küste von Baveno hin und her, übertönt von dem Zischen und Prasseln der Raketen, Feuerräder und den Böllerschüssen des Feuerwerks, die ganze Natur, die Menschen, alles, alles jubelte, - und da oben von der Villa Clara in Baveno aus sollte der Liebling, der Siegfried des deutschen Volkes, diesem Jubel als ein dem Tode vorzeitig Geweihter zuschauen, in dem sicheren Bewußtsein, unrettbar dem unerbittlichen Verhängnis zuzueilen?! Ein furchtbarer Gedanke, der mich erschauern machte!

Wie es wirklich um dessen Gesundheit bestellt war, drang nicht nach außen. Er war braun gebrannt und gesund aussehend, nur eine starke Heiserkeit wurde von von Werner beunruhigend bemerkt, aber das dies Geschwür dem Kronprinzen im nächsten Jahr das Leben kosten sollte, glaubte er noch nicht. Warum auch, die besten Ärzte dieser Zeit waren uneinig, wie die Behandlung durchzuführen sei.

Anton von Werner - Figurenstudie Kronprinz Friedrich Wilhelm(1887)
Schwarze Kreide, gewischt und Rötel (35,1 x 24,9 cm)

Hoffnung schöpfte von Werner aufgrund früherer Erfahrungen zweier Kollegen. Hier ein Auszug aus einem Brief an seine Frau:

"Ja, wenn er nur annähernd so leidend wäre, wie seinerzeit Professor Bracht, so könnte man besorgt sein, - aber was schade im schlimmsten Falle selbst eine heisere oder belegte Stimme? Der alte Professor Eduard Bendemann ist Jahre lang vollkommen heiser gewesen und hat nach und nach seine Stimme wieder bekommen und Herr v. Hülsen (der Generalintendant) war immer heiser." Der Vergleich mit Professor Bracht fiel mir ein, weil dieser, als er vor fünf Jahren nach Berlin kam, an Halsentzündungen längere Zeit so schwer gelitten hatte, daß er sich in einer Nacht nur dadurch, daß er mutvoll einen Teelöffel in den Schlund hinabführte, vor dem Ersticken hatte bewahren können.

Anton von Werner war auch in Italien ein gern gesehener Gast der Kronprinzfamilie und auf Wunsch der Kronprinzessin ließ er sein Cello (und verschiedene Akten, denn der fleißige Akademiedirektor fand auch dort keine Ruhe...) aus Berlin kommen, um die musikalischen Abende mit seinen Klängen zu verfeinern.

Den Zauber der Region beschreibt er mit einem kleinen Seitenhieb auf die moderne Kunstkritik seiner und leider auch noch unserer Zeit

Die Natur erstrahlte in der richtigen so oft gemalten und besungenen italienischen Abendbeleuchtung, die in moderner Zeit gern als "Kitsch" im Künstlerjargon bezeichnet wird und verpönt ist, - die liebe Natur kann es ja auch nicht jedermann recht machen.

Erzfeind in Aktion

Sein Erzfeind Max Jordan hatte wieder mal etwas besonderes ausgeheckt. Zusammen mit Friedrich Geselschap stellte er im Senat der Akademie den Antrag einer Untersuchung über den ihrer Meinung nach verdächtig hohen Zuwachs der Schülerzahl der Hochschule der bildenden Künste. Diese sollten von 350 auf 250 reduziert werden. Natürlich nicht nach Meinung von Anton von Werner, der den Sachverhalt folgendermaßen sah:

Mich ekelte, und ich überließ es dem Direktorialassistenten Teschendorff, die Angelegenheit zu behandeln, deren Ergebnis war, daß die Schülerzahl zwangsweise herabgesetzt wurde und z.B. der Bestand von Brachts Landschafter-Abteilung, der im Jahresbericht von 1886/87 mit 44 Schülern fungiert, in dem von 1887/88 mit 16 erscheint.
Daß Geheimrat Jordan im Ernst annahm, durch die Maßregel der bedrohlichen Zunahme der deutschen Künstlerschaft für die Zukunft Einhalt tun zu können, fällt mir schwer zu glauben, denn er war doch ein kluger Mann und konnte nicht darüber im unklaren sein, daß diejenigen, die auf der Berliner Kunstakademie keinen Platz fänden, ihre Ausbildung an anderen Kunstakademien suchen würden oder in Privatateliers, wo der Nachweis genügender Begabung zudem nicht gefordert wird. Auch mußte er sich sagen, daß man wohl bei mangelhaftem Besuch einer Unterrichtsanstalt nach den schädlichen Ursachen dafür forscht, daß dies aber in dem entgegengesetzten Falle, bei stärkerem Besuch doch als etwas ungewöhnlich erscheinen mußte. Da überdies eine Schülerzahl von 350 für die Kunstakademie einer Millionenstadt wie Berlin, die in den letzten Jahren einen gewaltigen Aufschwung nach allen Richtungen bin genommen hatte, nicht gerade überwältigend oder unerklärlich war, so erschien mir die Sache als eine jener kleinen Neckereien, mit denen mich Geheimrat Jordan im Laufe seiner amtlichen Tätigkeit wiederholt beglückt hat, einer Annahme, die er später selber bestätigte.

Anton von Werner - Geheimrat Dr. Max Jordan

Zum versöhnlichen Abschluss kam es zwischen diesen beiden bedeutenden Berliner Kunstfiguren, als Anton von Werner den Geheimrat,

dessen Kenntnisse und Fähigkeiten ich niemals unterschätzt habe

, kurz vor dessen Tode auf dem Bilde Der Enthüllung des Richard-Wagner Denkmals porträtiert hat.

Schlimmer kommts immer

Das nach Jordan ein Mann die Museumslandschaft Berlins bestimmen sollte, der im Gegensatz zu Jordan die Nationalgalerie Richtung wertvollen Müllhaufen steuerte, konnte niemand ahnen. Hugo von Tschudi, den von Werner natürlich äußerst kritisch betrachtet.

In den Beratungen der Landeskunstkommission habe ich genügend erfahren, wie hilflos H. v. Tschudi gegenüber den künstlerischen Eigenschaften eines Kunstwerkes und ihrer Abschätzung stets war, und wie er lediglich einer ausgegebenen Parole zu folgen schien, der klassistischen vermutlich ebenso überzeugt wie der naturalistischen, impressionistischen oder futuristischen, wenn sie gerade Mode gewesen wäre. Bei den empfehlenden Äußerungen, mit denen er seine Vorschläge von Ankäufen für die Nationalgalerie begleitete, kam das stets zum Ausdruck, daß die der Kommission angehörigen Maler und Bildhauer den Herrn Galeriedirektor gelegentlich darauf aufmerksam machten, daß sie selbst wüßten, wie es hinter dem Ofen aussehe und seiner Belehrung nicht bedürften. Als er dann durch etwas gar zu tätliches Zugreifen an empfindlicher Stelle die Ankerkennung seiner Unfehlbarkeit zu erzwingen suchte und sich dabei vergriff (Hinweis: Die Werke vieler akademischen Maler kamen ins Depot , dies wurde aber auf kaiserlicher Anordnung hin wieder rückgängig gemacht) , wurde er von der Presse als Held und der eigentliche Schöpfer der Nationalgalerie gefeiert, die er durch Verstümmelung ihres Grundstocks, der Wagner'schen Gemäldesammlung und entgegen den testamentarischen Bestimmungen ihres Stifters beschädigt hat.

Von Tschudi war ein bedingungsloser Verfechter des Impressionismus, aber er tat von Werner am Ende doch ein wenig Leid, als von Tschudi nach dessen Tod von den allerneusten Trends des Kubismus, Futurismus und Expressionismus als einer der Ihren vereinnahmt wurde. Mit den Werken, die heute die Neue Nationalgalerie schmücken (siehe z.B. die offizielle Bilderseite), wird sogar er nicht einverstanden gewesen sein. Werke, an die in einem Bilderladen jeder vorbeigehen würde, wenn sie nicht die Signatur Munch, Picassos oder Dix tragen würden, werden als große Errungenschaften des frühen 20 Jahrhunderts verehrt.

Statt in Ausstellungen dilettantische Maler wie Ernst Ludwig Kirchner und Konsorten anzupreisen,

Ernst Ludwig Kirchner - Erna (1930)

sollten meiner Meinung nach dort wirkliche Künstler hängen, die aber leider in den Abstellkammern in Vergessenheit geraten sind -> (Link).

Martin von Feuerstein - Studienkopf (Kohlezeichnung mit Weiss erhöht)

Gabriel von Hackl - Vorbereitung zum Feste

Ludwig Glötzle - Golgatha

1888

Das tragische Jahr jedes treuen Monarchisten hatte begonnen. Die Zeichen ließen das folgende erkennen, aber das im Juni schon schon der 3te Kaiser den Thron betrat, kam doch überraschend.

Sensemanns erster Streich

Im Januar war von Werner mit der Untermalung des Bildes für Königin Victoria beschäftigt und ein Berg von Organisationsarbeit für die kommenden drei internationalen Ausstellungen in Melbourne, Wien und München musste abgearbeitet werden.
Sein Verein Berliner Künstler ehrte ihm mit einem Fest, zu dem sein Freund Paul Meyerheim eine ansprechende Tischkarte zeichnetet.

Paul Meyerheim - Festkarte für ein Festessen für Anton von Werner am 4. Februar 1888 (1888)

In diesen ersten Tagen des Jahres war er wieder einmal wegen Studien zu Gast bei den Hohenzollern, dieses mal bei Prinzen Wilhelm.
Da traf die überraschende Nachricht vom Tode des Hohenzollernprinzen Ludwig von Baden ein, den von Werner als frische und liebenswürdige Persönlichkeit bezeichnete.

Sensemanns zweiter Streich

Dies wurde jedoch überschattet von der rapide sich verschlechternden Situation Kaiser Wilhelm I. Das er nicht mehr lange Leben würde war allen Beteiligten, auch dem Kaiser selber, klar.
Denn am Morgen des 9. März traf ein eiliger Brief bei von Werner ein, in dem er vertraulich aufgefordert wurde,

baldmöglichst hierher zu kommen, um eventuell eine Skizze anfertigen zu können.

Als er im königlichen Palais ankam, musste er auch schon ans Werk gehen, denn der Kaiser war gerade verstorben.
Dieser Wunsch der Skizze war nichts außergewöhnliches zu dieser Zeit. So wurde von Werner schon Mitte der 60er Jahre nach Karlsruhe gerufen, um der Nachwelt einen letzten Eindruck von der verstorbenen Großherzogin Sophie zu geben.

In seinen letzten Worten soll der Kaiser sich, Militär und Politiker noch durch und durch, mit selbigen Themen beschäftigt haben. Als von Werner das schlichte Zimmer betrat, herrschte himmlische Ruhe. Er verkroch sich in eine Ecke nahe einer Lampe und zeichnetet den Kaiser auf seinem Totenbett, während im Zimmer die Trauernden des engsten Familienkreis ein und ausgingen.

Zu Hause angekommen begann von Werner direkt mit der Umsetzung einer Farbskizze, um die noch frischen letzten Eindrücke nicht verblassen zu lassen.

Anton von Werner - Kaiser Wilhelm auf dem Sterbelager (1888)

Der Kaiser würde später zur freien Anteilnahme drei Tage im Dom aufbewahrt. Eine extra für diesen Anlass installierte Brücke führte quer durch den Dom und erlaubte es bis zu 7000 Besuchern je Stunde, Abschied von ihrem Kaiser zu nehmen.
Mit der düsteren Dekoration des Kirche war von Werner nicht zufrieden, da ihm die positiven Akzente, die nur in Form der niedergelegten Kränze farblich angedeutet waren, fehlten. So hätte man seiner Meinung nach die Trauer über ein erfülltes, abgeschlossenes Leben, den angemessen, künstlerisch gestalteten Ausdruck verleihen können.

Anton von Werner - Aufbewahrung der Leiche Kaiser Wilhelms im Dom (1888)
Farbskizze

Ein Gothic Anhänger unserer Tage sähe das wohl ganz anders. Denn der ganze Boden und die Seitenwände bis zu den Chorbrüstungen des Doms waren mit schwarzem Tuch bedeckt und dieser Eindruck einer Gruft wurde noch durch sechs schwarz überzogene Kandelabern verstärkt.

Und der Dritte folgt sogleich

Die Eindrücke der Trauer waren noch nicht verblasst, da erreichte am 14. Juni die Berliner die nächste Ankündigung eines baldigen, weiteren Verlustes. So machte sich Anton von Werner am nächsten Morgen von seinem neu bezogenen Landhaus in Wannsee Richtung Neues Palais auf, um genaueres zu erfahren. Der Sensemann ließ nicht lange auf sich warten und der neue Kaiser Wilhelm II bat von Werner, seinen gerade verstorbenen Vater Friedrich III auf dem Sterbelager zu zeichnen.

und gab mir dazu einen vom Schreibtisch entnommenen schwarz umränderten Briefbogen und einen Bleistift; Prinz Heinrich meldete zwar, die Kaiserin Friedrich wünsche nicht, daß ihr verschlafener Gemahl jetzt noch porträtiert würde, ich tat es aber dennoch, nur für den Kaiser, und überreichte ihm das Blatt.

Anton von Werner - Kaiser Friedrich auf dem Sterbelager (1888)
Zeichnung

Einem anderen Wunsch der Kaiserin Friedrich musste von Werner aber Folge leisten. Dieses mal sollte er die Aufbewahrung der Leiche im Jaspissaal künstlerisch gestalten. Dekorateur war das Rundumtalent nun also geworden. Und, wie immer, machte er solches ganz oder gar nicht.

Auf Veranlassung des Direktors Dohme hatte man seitens des Hofmarschallamts bereits begonnnen die Wände des schönen Raumes ... von oben bis unten mit schwarzem Stoff zu bekleiden, was in Verbindung mit der weißen von heiterem vergoldeten Rokokko-Rankenwerk umzogenen Decke des Saales einen künstlerisch geradezu schauerlichen Eindruck machte. Ich ließ die schwarzen Hüllen entfernen und durch eine andere Dekoration ersetzten, die keinen schauerlichen Eindruck hervorrief, besprach noch das Nötige für die Aufstellung des Sarges, der Pflanzendekoration usw. und zeichnete dann nochmals auf den mir durch Freiherrn v. Reischach überbrachten Wunsch der Kaiserin Friedrich den Verblichenen, der inzwischen einbalsamiert worden war.

Im Gespräch mit der Witwe des gerade verstorbenen Kaiser erfährt von Werner einiges über die Verzweiflung, mit der das Kaiserliche Paar den Attacken der Presse ausgesetzt war.

"Welcher Wahnsinn", rief sie wiederholt, " zu glauben, meine Sympathie für England ginge so weit, daß ich deshalb das kostbare Leben meines Mannes hätte aufs Spiel setzen können!"

Hoffnung am Horizont

Die Hoffnung, die man in den jungen Kaiser Wilhelm II setzte, war groß. Er galt schon früh als Freund und Förderer der Künste und dies sollte sich in seiner neuen Position weiterhin bestätigen.

Zur Eröffnung des Reichstags lud der Kaiser von Werner ein, ihn in künstlerischer Hinsicht bei den Arrangements zur Seite zu stehen und später diesen historischen Augenblick in einem großen Gemälde festzuhalten.

Anton von Werner - Die Eröffnung des Reichstags im Weißen Saal des Berliner Schlosses durch Wilhelm II (1888)
Farbskizze- Öl auf Leinwand (103 x 153 cm)

Da die Feierlichkeiten mit allen Pomp vor sich gehen solle, so mußte der Weiße Saal des königlichen Schlosses ein festliches, dem hellen Tageslicht standhaltendes Gewand erhalten, dass zugleich der Trauer um die beiden dahingeschiedenen Kaiser den entsprechenden Ausdruck verlieh. Ich entwarf dafür Skizzen, traf die nötigen Anordnungen und versicherte mich für die Ausführung die Mitwirkung einiger unserer tüchtigsten bei den Akademikerfesten erprobten jungen Künstler, da ich in die Hoftapezierer nicht allzu großes Vertrauen setze.

Einem ersten Aquarell der Räumlichkeiten sollten viele weitere Studien, Entwurfsvarianten und Porträtsitzungen in den folgenden Jahren folgen, bis das Gemälde der Reichstagseröffnung endlich im Jahre 1893 vollendet werden konnte.

Anton von Werner - Die Eröffnung des Reichstags im Weißen Saal des Berliner Schlosses durch Wilhelm II (1893)
Öl auf Leinwand (387 x 642 cm)

Eines der ersten Porträts zu diesem Gemälde gab ihm der frisch gekürte Kaiser selber und von Werner war laut eigener Aussage damit wohl, nach dem großen Porträtmaler jener Zeit, Heinrich von Angeli, der zweite, dem dieses Privileg geben war.

Heinrich von Angeli - Rudolf von Slatin Pasha (1895)

Kaiser Wilhelm war von dem Dekorationstalent seines Akademiedirektors überzeugt. So bat er ihn, noch auf die Schnelle Änderungen an der Dekoration der am nächsten Tag stattfindenden Landtagseröffnung durchzuführen.
Von Werner fühlte sich in seiner Position als neuer Hofdekorateur geschmeichelt, auf Dauer wollte er diese zusätzliche Belastung aber nicht tragen.

Kaiserlicher Besuch

Im September ehrte ihn der Kaiser mit einem Besuch in seinem neuen Heim in Wannsee, um die bis dahin erstellten Skizzen zur Reichstagseröffnung bei einem kleinen Schwätzchen zu begutachten.

Anton von Werner - Kaiser Wilhelm II - Studie zum Reichstagsbild (1892)
Zeichnung

und äußerte auf meine Frage, welche Reichstagsabgeordnete ich auf dem Bilde anbringen solle, da ja doch für alle nicht genügend Platz sei: "Das überlasse ich Ihnen, Sie wissen darin ja ebenso gut Bescheid wie ich"

Bei von Werner hielt der Kaiser sich also, der sogar das Recht hatte, bei der Akademieausstellung über die Vergabe der Medaillen zu entscheiden, dann doch zurück.

Anton von Werner - Die Eröffnung des Reichstags im Weißen Saal des Berliner Schlosses durch Wilhelm II (1893) - Ausschnitt
Öl auf Leinwand (387 x 642 cm)

Nebenbei erfährt man ein paar nette Kommentare über einen von Anton von Werner geschätzten Kollegen, Carl Saltzmann.

und erzählte auch von seiner Fahrt nach St. Petersburg und den Studien, die C. Saltzmann dabei gemacht hatte, mit der ihm eigenen frischen Lebendigkeit. Seiner Hochschätzung für den mit urwüchsigem Humor begabten Künstler, der den Prinzen Heinrich bei seiner ersten Weltumseglung auf der "Olga" begleitet hatte und früher auch des Kaisers Lehrer gewesen war, gab er in ebenso lebhafter und liebenswürdiger Weise Ausdruck.

Carl Saltzmann - Magellanstraße mit der Korvette Prinz Adalbert (1888)
Öl auf Leinwand - (100 x 159 cm)

1889

Anton von Werner - Skizze zu eine Deckengemälde im Königlichen Schloss zu Berlin (1889)

Bienenstock

Was zu Beginn des Jahres 1889 auf dem Programm stand, ist nicht zu schwer zu erraten. Vollendung des Jubiläumsbild für die Königin Victoria, Aufträge zu Porträts der Kaiser des Dreikaiserjahres

Anton von Werner - Standporträt Kaiser Friedrich III (1889)
Öl auf Leinwand (173 x 115 cm)

Anton von Werner - Standporträt Kaiser Wilhelm I (1889)
Öl auf Leinwand (173 x 115 cm)

(eines davon ein Porträt König Wilhelms vor dem Rathaus in Aachen 1865, welches seit kurzem wieder im Aachener Rathaus zu besichtigen ist, nachdem es Jahre unbeachtet im Abstellgleis des Luisenhospital hing)

Anton von Werner - Porträt König Wilhelm vor dem Rathaus in Aachen 1865
Farbskizze

und natürlich Porträtsitzungen für das Reichstagsbild. Seine Atelier war ein Bienenkorb der politischen Akteure des deutschen Reichs. Sie gingen ein und aus, teilweise kamen zwischen den Sitzungen gleich mehrere Abgeordnete zu ihm. So war sein Talent als Schnellmaler mal wieder gefragt. Mitglieder aller Parteien waren auf seinem Bild willkommen, aber für einen streng Konservativen gab es ein Tabu

mit Ausnahme der Sozialdemokratischen natürlich

Anton von Werner - Studie Graf Lerchenfeld-Kösering (18xx)

Eine der interessantesten Personen, die Anton von Werner hierbei kennenlernte, war der Zentrumsführer Ludwig Windthorst. Dieser traute dem Braten nicht ganz und erkundigte sich zu Beginn bei von Werner, ob der Kaiser wirklich nichts dagegen hat, dass er, Windhorst, auf dem Gemälde abgebildet sein durfte. Das hatte er nicht. Diesen Charakterkopf beschreibt von Werner im weiteren so:

Mit vielem Humor erzählte er dann, daß er oft mit Menzel verwechselt werde, mit dem er, soweit seine kleine Figur und sein stark entwickelter Schädel in Betracht kamen, in der Tat einige Ähnlichkeit hatte, und wie er Virchow, als dieser seinen Schädel auszumessen wünschte, erschrocken gefragt habe: "Um Gotteswillen, Herr Kollege, Sie wollen mich doch nicht trepanieren?" Der Windthorst war bekanntlich so kurzsichtig, daß er stets eines Führers bedurfte, natürlich nicht auf dem Gebiete der Politik, sondern nun bei seinen Ausgängen - und so sah er auch nichts von dem großen Bilde, obgleich ich ihn dicht vor die Leinwand gestellt hatte.

Das farbige Bild des Doktor Krüger zeigt beispielhaft die meisterhafte Porträt-Technik von Werners, die zur damaligen Zeit bescheiden als das bezeichnet wurde, was es war, nämlich eine Studie.

Anton von Werner - Figurenstudie Dr Daniel Christian Friedrich Krüger (1889)
Öl auf Malmappe (60 x 42 cm)

Kellers Apotheose

Ein Höhepunkt des Jahres war aus künstlerischer Sicht im Februar die Ausstellung des Monumentalgemälde Apotheose Kaiser Wilhelms des Siegreichen von Ferdinand Keller.
Wie schon im Bericht zu Keller beschrieben, fand dieses Gemälde nicht allseitige Zustimmung, der neue Kaiser war aber mit dem Bild seines Großvaters zufrieden

Seine Majestät äußerte sich sehr anerkennend über die glänzende virtuose Leistung, fand zwar, daß die Gestalten des Kronprinzen, des Prinzen Friedrich Karl, Bismarck's, Moltke's und Roon's in ihren modernen Uniformen seinem Gefühl nach nicht recht in die allegorische Darstellung paßten, befahl aber den Ankauf des Bildes und überwies es der Nationalgalerie.

Ferdinand Keller - Apotheose Kaiser Wilhelm der Siegreiche - Foto

Dem Verein Berliner Künstler war dies Werk eine extra Feier wert und man dankte dem anwesenden Künstler

für die hervorragende künstlerische Leistung.

Den Zeitgeschmack traf er aber nicht mehr mit seiner Apotheose. Kaum 60 bis 80 Besucher wollten dieses Werk im Uhrsaal der Akademie besichtigen. Grund hierfür war laut Kaiserin Augusta, dass die von dem Künstler gewählte Allegorie nicht ganz zu dem schlichten Sinn ihres Gatten passt und dies auch vom normalen Publikum so gesehen würde.

Guter Zweck veraltet

Bei der Beschreibung eines Abends bei der Kaiserin Augusta erfährt man ein interessantes Detail über die karitativen Aktionen der Akademie der Künste.

Früher wurde jährlich zur Weihnachtszeit, besucht vom Kaiserpaar, ein Weihnachtsfest veranstaltet, in dem mittels großer Transparentgemälde eine biblische Geschichte vorgeführt wurde. Die Einnahmen diese Veranstaltung galt den den Hinterbliebenen verstorbener Künstler.

Diese extra für diesen Zweck gemalten Transparentgemälde sollen laut von Werner oft eine hervorragende Qualität besessen haben. Er erwähnt als besonders hervorzuhebende Werke Gustav Richter's Erweckung von Jairi Töchterlein, Bernhard Plockhorst's Moses zum Himmel getragen und drei von Adolph Menzel, Christus als Knabe bei den Pharisäern im Tempel, Adam und Eva und Christus, die Händler aus dem Tempel jagend, wobei ersteres

erweckte jedesmal, wenn der Vorhang sich hob, beim Publikum die größte Heiterkeit, wie mir Paul Meyerheim mitteilte, wohl wegen der durchaus nicht idealisierten Erscheinung der Dargestellten.

Die Zeiten wandeln sich und seit Jahren wurde dieses Fest, zum Leidwesen der Kaiserin, nicht mehr veranstaltet, da sich niemand mehr für diese Bilder interessierte und die Einnahmen die Kosten nicht mehr deckte. Dies war mal anders,

in den fünfziger und sechziger Jahre drängte sich das Publikum zu diesen Schaustellungen, ohne die, ebenso wie ohne den Weihnachtsmarkt im Lustgarten und die Weihnachtsausstellung bei Kroll, für den Berliner von damals richtige Weihnachten nicht denkbar waren.

Katastrophale Ausstellung

Nach dem großen Triumph der 1886er Kunstausstellung war den beiden nachfolgenden kein besonderer Erfolg vergönnt. Aber in diesem Jahr waren die Umstände eine Zumutung und die Veranstaltung, wäre es nach den Künstlern des Verein Berliner Künstler gegangen, ganz abgesagt worden. Denn auf Order des Reichskanzler Bismarck wurde das Landes-Ausstellungsgebäude einer Unfallverhütungsausstellung zugewiesen und den Künstler blieb nur das alte Kunst-Akademiegebäude unter den Linden. Ein, wie von Werner fand, unwürdiger Rahmen für das moderne Berlin.
Die Ausländische Presse zog über die Ausstellung her und ohne die Abstandzahlung der Unfallverhütungs-Ausstellung wäre ein katastrophales Defizit entstanden.

Rat gefragt

Seine Ferien verbrachte der Meister mit Illustrationen zu Scheffel's Ekkehard, jenem Projekt, welches nie seine Vollendung erfahren wird.
Von Werner wurde oft als Berater in Fragen der Kunst engagiert, so auch zu dieser Zeit, als er einen Ausflug ins schöne Lübeck mit seiner Beurteilung einer dekorativen Ausmalung eines Treppenhauses im Rathaus kombinieren konnte. Abgelehnt wurde das ganze Vorhaben, da von Werner die Beleuchtung des Raumes für ein Mosaikbild als gänzlich ungeeignet erachtete.

Technisches Wunder

Die Weltausstellung, zum wiederholten Male in Paris, zog die Menschen wegen eines Projekts in ihren Bann, welches alle Anderen bei weitem überschattete. Der Eiffelturm. Dieser gigantische Turm beeindruckte auch von Werner und er beschrieb ihn als

in seiner Basis gigantischen Ungeheuers, das sich nachher mit seiner Spitze elegant wie eine zehnfach verlängerte Nadel der Cleopatra, ich möchte sagen heiter lächelnd in den blauen Himmel erhob.

Das Deutsche Reich nahm in diesem Jahr aus politischen Gründen nicht an der Weltausstellung teil, nur einzelne deutsche Künstler stellte auf eigene Faust ihre Werke aus. Von deren künstlerischer Qualität und den gebotenen Räumlichkeiten war von Werner nicht gerade begeistert.

unter ihnen Fritz v. Uhde, Walter Firle, Leibl und Franz Skarbina, sich bewogen gefühlt, in einem kleinen etwas dunklen Raum auszustellen, der aber ihren als neueste Errungenschaft des Pleinairismus bezeichneten Schöpfungen wenig zugute kam, denn die Bilder sahen alle trübe, schwarzgrau aus.

Fritz von Uhde - Heideprinzesschen (1889)
Öl auf Leinwand (140 x 111 cm)

Ebenfalls wenig gelungen erschien ihn das extra zu dieser Weltausstellung geschaffene Panorama le sciele 1789-1889 von Alfred Stevens und Henri Gervex, da ihm diese künstliche Zusammenstellung der Berühmtheiten und Ereignisse eines ganzen Jahrhunderts ungeeignet für ein Gemälde erschien.

Henri Gervex und Alfred Stevens - Ausschnitt zum Panorama
Geschichte des Jahrhunderts (1889)
Öl auf Leinwand

Von den Malern begeisterten ihn neben den bekannten Gesichtern der Franzosen und Spanier besonders

Dagnan-Bouveret mit seinen meisterhaft tiefempfundenen Bildern aus dem Volksleben der Betragne

Pascal-Adolphe-Jean Dagnan-Bouveret - The Pardon in Brittany (1886)
Öl auf Leinwand (114,6 x 84,8 cm)

Arbeit oder Grippe

Daheim angekommen begann er mit dem Aufzeichnen des Reichtagsbildes und der Arbeit an einem Porträt des Landschaftsminister Dr. Lucius von Ballhausen. Von diesem hörte er erstmal von der zu dieser Zeit in Europa kursierenden, durch das Wort Influenza bekannt gewordene Grippe. Diese soll laut Aussage des Minister allein in St. Petersburg 130000 Menschen erfasst habe und in Deutschland waren Anfang Dezember 100000 Personen befallen.

Auch von Werner steckte sich an und musste seine Arbeit unterbrechen. Er war mit seinen 56 nicht mehr Jüngste und sein Arbeitspensum zollte immer öfter seinen Tribut. So berichtet er von einem durch Überanstrengung herbeigeführten Schreibkrampf, der ihn nach einigen Jahren zwang, das Zeichnen, besonders mit der Feder, für längere Zeit einzustellen. Aber noch lief alles glimpflich ab und er überstand die Grippe ohne Folgeschäden.
Weniger Glück hatte da ein guter Bekannter seiner Familie, der Direktor der Düsseldorfer Kunstakademie, Eduard Bendemann. Er erlag Ende Dezember dieser Krankheit.

1890

Weiterere Verluste

Die Grippe machte auch vor dem Hohenzollernhaus nicht halt und nach kurzer Krankheit verstarb Kaiserin Augusta. Oder, wie von Werner im melancholischen Ton den Kreislauf der Zeit beschrieb:

Die Generation, die das neunzehnte Jahrhundert mitgeschaffen hatte, ging nach und nach zu Grabe, und die sich ihr gegenüber bis dahin als Junge gefühlt hatten, wurden nun die Alten.

Einen politischen Verlust bedeutete für manche die Entlassung Fürst Bismarcks als Reichskanzler. So auch für den Verein Berliner Künstler, der dem Kanzler ein Fest samt Glückwunschadresse zu seinem 75 Geburtstag widmete. Diese Entlassung war Tagesgespräch bei den Porträtsitzungen zum Reichstagsbild und von Werners

Kenntnis diplomatischer-staatsmännischen Waltens bereicherte und erweiterte sich dadurch nicht unwesentlich.

Grenzen überschreitendes Gemälde

Im April diesen Jahres begann von Werner mit der Fertigstellung des schon im Vorjahr mit den ersten Studien begonnenen Gemälde Kronprinz Friedrich Wilhelm an der Leiche des Generals Abel Douay, zu dem ihm der Kronprinz noch vor seinem Tod in Baveno schriftliche Notizen erstellt hatte.
Aufgrund der guten Vorbereitung gelang es von Werner, dieses Bild schon im Juli zu vollenden und zur Berliner Akademieausstellung einzureichen.

Anton von Werner - Teilstudie zum aufgebahrten General Abel Douay (1887)
Bleistift (24,5 x 32,8 cm)

Die Vorbereitungen reichten hierbei soweit, dass dem Künstler mit der Vermittlung eines französischen Offiziers von der Familie des verstorbenen General ein Porträt zur Verfügung gestellt wurde.

Mit welcher erfolgreichen Recherche er den anwesenden Militärarzt malte, sei hier genauer zitiert

Edouard Detaille teilte mir auf meine Anfrage in liebenswürdiger Weise, durch sorgfältige Handzeichnungen erläutert, das Nähere über die Uniform des französischen Militärarztes mit, der zugegen gewesen war, als der Kronprinz mit seinen Offizieren in das Zimmer trat, wo man die Leiche des gefallenen Generals niedergelegt hatte. Der Kronprinz und Mischke hatten mir Gesicht und Figur des Arztes, soweit sie diese in der Erinnerung hatten, beschrieben, ich hatte danach gemalt und war nicht wenig erstaunt, als ich nach vielen Jahren aus dem Inneren Frankreichs einen Brief erhielt, in welchem der Absender unter Beifügung seiner Photographie aus dem Jahre 1870, mir mitteilte, daß er der Arzt sei, der damals dabei gewesen war. Aus der Photographie ersah ich zu meiner Überraschung, daß sich diese mit seiner Erscheinung auf meinem Bilde ziemlich deckte, nur hatte ich einen Fehler gemacht, auf den er besonders hinwies: ich hatte ihm nur zwei Goldschnüre am Ärmelaufschlag gemalt, während er auf drei Anspruch hatte, weil er damals schon Oberarzt war! Im übrigen wünschte er von mir die Namen der den Kronprinzen begleitenden Offiziere zu erfahren, deren er sich genau erinnerte, welchem Wunsche ich gern entsprach.

Anton von Werner - Kronprinz Friedrich Wilhelm an der Leiche des General Abel Douay (1890)
Öl auf Leinwand (117 x 167 cm)

Die Kritik dieses Gemälde war zwiespältig, denn der Zeitgeist konnte mit solchen Erzählungen immer weniger anfangen. Das Bild wurde im Pariser Figaro oder im Berliner Tageblatt gelobt, in anderen Zeitungen aber gehörig verrissen,

weil es eine gemalte Novelle war und deshalb einige Berliner Blätter fachgemäß erklärten, "daß das Publikum wegen seiner Geschmacklosigkeit zu bedauern sei, weil es in dichten Haufen das Bild umstände, was freilich nicht erstaunlich sei, denn "Die Gartenlaube" habe ja auch Hundertausende von Abonnenten"
...
Die Kunstkritik stand in diesen Jahren übrigens im allgemeinen - mit wenigen Ausnahmen - auf dem Standpunkt des Nörgelns und des Witzemachens ... und es schienen nicht gerade Kräfte von der überlegenen Auffassung Paul Lindaus ... zu sein, die das von keinerlei Sachkenntnis getrübte Richteramt ausübten.

Reinfall und Hoffnung

Die Kunstausstellung des Jahres 1890 war wieder mal ein Reinfall, die Motivation unter den Künstler bestand jedoch, im kommenden Jahre alles besser zu machen und eine internationale Ausstellung auf die Beine zu stellen. Der Senat der Akademie lehnte dies ab und so stellte der Verein Berliner Künstler mit nur einer Gegenstimme den Antrag, auf eigenes Risiko dieses Mammutprojekt auf die Beine zu stellen. Voranschreitend natürlich Anton von Werner, der vorsorglich die Unterstützung des Kaiser gesichert hatte.

So konnte die Planung beginnen, welche alle bisher in Angriff genommenen Projekt des Vereins bei weitem überragte. Aber man war optimistisch und wollte seinem hohen Ansehen gerecht werden. Ein Ansehen, welches man in Jahre 1890 festigte, beispielsweise durch ein großes, öffentliches orientalisches Kostümfest mit 2000 Beteiligten oder der vereinsinternen Nachfeier des 60 Geburtstag des hochverehrten Mitglieds Ludwig Knaus, zu der Adolph Menzel eine äußerst gelungen Tischkarte mit Motiven Knauscher Bilder gezeichnet haben soll.

Ludwig Knaus - Tanz unter den Lindenbäumen (1881)

Der Saal war durch junge Birken und entsprechende Dekorationen in das hessische Dorf Wittinghausen, dem Lieblingsstudienplatz des gefeierten Künstlers, umgewandelt worden, die Teilnehmer waren vorwiegend in hessischer Tracht erschienen, Julius Lohmeyer hatte ein hübsches Festspiel geschreiben und lebende Bilder wechselten mit Gesang und Tanz, es war eine Feier ganz dem schlichten Sinne des großen Künstlers und seinem Gefühle für häusliches Leben und Behagen entsprechend.

Im weiteren ist von dem enormen Aufwand der auch politisch nicht ganz unbrisanten internationalen Ausstellung die Rede, dem diplomatischen und persönlichen Hin- und Her, vor allem in Bezug auf die französischen Künstler, welche letztendlich aufgrund politischen Drucks aus Paris doch nicht teilnehmen durften.
Trotzdem war die Ausstellung im Jahre 1891 ein voller Erfolg und das Vermögen des Vereins verdoppelt. So konnte aus diesen Gewinnen endlich ein eigenes Künstlerhaus gebaut werden.

Professorenroulette

In diesem Jahr verlor Anton von Werner einen, wie er ihn nannte, treuen, aufrichtigen Freund, den Orientmaler Wilhelm Gentz, der sich bei seinem letzten längeren Studienaufenthalt in Tunis mit dem tödlichen Influenzavirus angesteckt hatte.

Wilhelm Gentz - Ein arabisches Lager -Ausschnitt (1870)
Öl auf Leinwand (57,5 x 103,5 cm)

Aufgrund von Rücktritten waren einige Professoren in diesem Jahr zu ersetzen, einer von ihnen wird in den höchsten Tönen von Anton von Werner gelobt. Es ist die Rede von einem seiner ersten Atelierschüler, dem Maler Max Koner

der sich als genialer Porträtmaler einen unvergeßlichen Namen gemacht hat

Max Koner - Kaiser Wilhelm II (1891)

Weniger schön war da die Beinahe-Entlassung des Professor der Aktklasse, Max Michael. Dem Kultusminister Gustav von Goßler war nahegelegt worden, die Entlassung dieses Professor zu fordern, da er einen nicht näher bezeichneten ungünstigen Einfluss auf die Schüler habe und sowieso zu alt sei. Dies konnte von Werner Gerechtigkeitssinn natürlich nicht stehen lassen

einen unserer ausgezeichnetsten und unermüdlichen Lehrer ... Ich konnte keinen Grund für diese überraschende Zumutung finden, weil sich die bei Professor Michael gemalten Akte einer allgemeinen Wertschätzung, auch im Ausland erfreuten, und ich auch nicht annehmen konnte, der Umstand, daß Professor Michael Jude war, haben den vorurteilsfreien Minister beeinflußt.
Da ich der vielleicht nicht ganz unzutreffenden Ansicht war, daß ich wohl der zunächst Berechtigte und Verpflichtete sei, der über den Einfluß der Professoren auf ihre Schüler ein Urteil haben müsse, so erklärte ich, ich würde die statuenmäßige Ausstellung der Schülerarbeiten so lange geöffnet lassen, bis der Herr Minister sie besichtigt und sich von dem erwähnten schlechten Einfluß überzeugt habe. Aber es kam wieder ganz anders. Denn ohne zu wissen, welche Arbeiten er vor sich habe, erging sich der Minister in den aufrichtigen Lobesäußerungen über die vielen nackten Männer und die vortrefflichen Kopien nach alten Meistern, die von Professor Michael's Schüler da ausgestellt waren.

Dies überzeugte den Minister Goßler und er nahm die Entlassung zurück.

Überbringer an die Nachwelt

Anton von Werner - Kultusminister von Goßler - Studie zum Reichstagsbild (1889)
Zeichnung

Vielleicht auch als Dank dafür positionierte von Werner ihn auf dem Reichstagsgemälde in günstiger Position, wofür er sich 1896 in einem Brief auf sehr nette Art bedankte:

... und ich bin auch sehr damit einverstanden, daß ich als ein Opfer ihres Pinsels der Nachwelt übermittelt werde. Sie und Fritz Werner sind m. W. die einzigen Maler, welche mich kunstgerecht zur Stecke gebracht haben. Bei F.W. erscheine ich auf dem Bild (Enthüllung des Luisendenkmals) in nebelhafter Ferne, Sie haben ich aber auf Ihrem Reichstagsbild wohlwollend in den Vordergrund geschoben und mir ein herrliches Gewand angezogen - was selbstverständlich meinen Familienmitgliedern sehr zusagt. Sie tragen also die Verantwortung für die Gestalt, in welcher ich der Nachwelt überliefert werde.

Helgoland anno dazumal

Seinen Urlaub verbrachte von Werner dieses Jahr auf Helgoland, jener Insel, die gerade erst an Deutschland abgetreten wurde. Zu jener Zeit war noch nichts von der hektischen Betriebsamkeit unserer Tage zu sehen. Kein Kurhaus weit und breit und die gesamte Insel erst in den Anfängen des Tourismus stehend.

Anton von Werner - Auf dem Oberland von Helgoland (1890)

und wie schön war es damals, durch den spärlichen Kartoffelacker da oben zu wandern, wo man sich wie auf dem Decke eines Riesenschiffes befand, rings umher, bis zum fernen Horizonte nur Luft und Wasser sah, in der Nähe höchstens einige angepflogte Schafe, und neben der alten Kirche die Gasse mit den niedlichen kleinen Häusern. Die Dächer konnte man mit der Hand erreichen, und man fragte sich staunend, wie und wo die Riesengestalten ihrer Bewohner durch die niedrige Haustüre kämen und überhaupt in diesen Liliputhäuschen Platz fänden.

Moltke

Der 90 Geburtstag des Generalfeldmarschall Moltke stand vor der Tür und, wie selbstverständlich, trat der Kaiser an Anton von Werner heran, um diesem den Auftrag zu einem Gemälde der kommenden Feierlichkeiten zu erteilen.
Es kam also wie es immer kam. Von Werner machte sich auf, um den Ort der Feier zu studieren, zeichnete während der Veranstaltung unzählige Skizzen

Anton von Werner - Figurenstudie Moltke und Wilhelm II zu Moltkes 90 Geburtstag (1896)
Öl auf Malpappe (59 x 48 cm)

und malte in den nachfolgenden Monaten und Jahren Porträts der beteiligen Personen.

Anton von Werner - Admiral Max von der Goltz -
Porträtstudie zum Bild des 90. Geburtstag Moltkes

Doch nicht nur das. Der Einfluss und das Vertrauen in von Werner war so groß, dass er die Dekoration des Saals delegieren und mal so nebenbei 30 Offiziere als Probeobjekte einteilen durfte

...., mit dem Rücken gegen die Fensterfront aufgestellen dachte, so daß ihre Gesichter vollkommen im Schatten lagen und eine Porträtdarstellung nahezu unmöglich wurde. Ich machte Graf Waldersee hierauf aufmerksam und schlug ihm vor, aus einer der nächsten Kasernen 30 Mann zu beordern, mit denen eine Probeausstellung gemacht werden könne. Graf Waldersee meinte: "Das können wir viel einfacher haben, so viele Offiziere haben wir hier im Hause, warten Sie einen Augenblick", und gab einer Ordonnanz den Auftrag. Nach wenigen Minuten eilten oder stürzten in sichtlicher Erregung die gewünschten dreißig Offiziere in den Saal, anscheinend die Verkündigung der Order zur Mobilmachung oder eines anderen wichtigen Ereignisses erwartend, einen Augenblick der Spannung, der sich in allgemeine Heiterkeit auflöste, als die Herren den Zweck ihrer Berufung erfuhren und in die Probestellungen einrückten.

Anton von Werner - Moltkes 90. Geburtstag (1896)
Öl auf Leinwand (320 x 497 cm)

Von Moltke war der Anblick des vollendeten Gemälde nicht mehr vergönnt, da er im April des folgenden Jahres starb. Und wieder wurde von Werner erwählt, den Verstorbenen in seinem Totenbett zu zeichnen. Und so geschah es auch.

Anton von Werner - Generalfeldmarschall von Moltke auf dem Sterbelager (1891)

Enttäuschender Abschluss

Von Werner endet seiner Memoiren der Jahre 1870 bis 1890 mit einem Rückblick auf das von ihm und der Berliner Künstlerschaft Erreichte. Ihm war bewußt, das neue Zeiten angebrochen waren, die seine Kunst nicht mehr schätzten. Aber er würde sich im Grabe umdrehen, wenn er lesen könnte, wie respektlos sein geliebter Verein Berliner Künstler heute über ihn redet (kuckst du hier).

Hier also die abschließenden Worte eines der letzten großen, begnadeten Maler der deutschen Kunstlandschaft, einem Meister auf vielen Gebieten, vor dessen Pinsel die Dilettanten unserer Zeit, die keine gerade Linie zeichnen können, ehrfurchtsvoll aufblicken sollten, da er eine Fähigkeit besaß, die sie nicht besitzen. Mit wenig oder vielen Strichen kleine und große Dinge zu erzählen.

Anton von Werner - Die Eröffnung des Reichstags im Weißen Saal des Berliner Schlosses durch Wilhelm II (1893) - Ausschnitt
Öl auf Leinwand (387 x 642 cm)

Anton von Werner - Studien Pferdeköpfe (1884) - Skizzenbuch

Möchten sich diese Einrichtungen und Errungenschaften für die Berliner Künstlerschaft in dem Sinne bewähren, in welchem sie beabsichtigt waren und geschaffen wurden: zur Stärkung des Standesbewußtseins der Künstlerschaft als Träger idealer Bestrebungen und zu gegenseitiger Förderung auf materiellem Gebiete, - Gedanken und Ziele, die mir stets am Herzen lagen und für die ich allzeit eingetreten bin, so weit es in meinen Kräften stand.

Verlorene Generation

2009-08-02T01:16:00.000-07:00

Fehlender Rückblick

Was heutzutage an den Kunstschulen in Deutschland gelehrt wird ist lachhaft. Den Lehrenden fehlt jede handwerkliche Basis, die sie der nachfolgenden Malergeneration vermitteln könnten. Dieses nicht vorhandene Können wird Jahrzehnt um Jahrzehnt facettenreich schön geredet, aber das traurige Resultat ist auf den vielen Leinwänden zu erkennen, die heute als Kunst bezeichnet werden. Werke, die NULL KOMMA NULL Wert hätten, wenn sie deine Signatur statt die des Künstler tragen würden, der gerade zufälligerweise als Genie gefeiert wird. Dabei kann dieser nicht mal die Schuhe malen, mit denen er gerade in seinem Traumland wandelt, bis ihn der nächste Hype von seinem Thron stoßen wird.

Die letzten Maler

Die letzte Malergeneration in Deutschland, die das Glück hatte, im Rahmen des akademischen Lehrbetriebs noch das Grundkönnen zu erlernen, ist ein eine verlorene Generation. Gemeint sind jene Maler, die den Höhepunkt ihres Schaffen zu Beginn des 20. Jahrhunderts hatten. Ihre Lehrmeister waren Größen im 19. Jahrhundert, an denen sich die Kunstwelt später rieb. Aufgrund dessen sind deren Namen heute noch Begriff, auch wenn sie zu unrecht kaum noch geschätzt werden. Anton von Werner, Ferdinand Keller, Eduard von Gebhardt oder Franz Defregger fallen einem spontan ein.

Nicht der Rede wert

Wenn man jedoch überlegt, welche deutschen Maler, die das Wort Künstler verdient haben, der nachfolgenden Generation bekannt sind, dann herrscht betroffenes Schweigen. Können zählte immer weniger, Ausdruck war das Schlagwort, welches beherrscht werden musste (siehe z.B. hier). Und dies darf unsinnigerweise nie kombiniert sein mit technischer Brillanz. Deshalb sind expressionistische Dilettanten wie Klee, Macke, Kandinsky heute auch noch dem Laien ein Begriff.
Maler, die ihren Stift und Pinsel gekonnt führten, waren Opfer ihrer peniblen Detailtreue und deshalb natürlich völlig uninteressant. Eine expressionistische Katastrophe sozusagen. Wenn das ganze noch kombiniert ward mit religiöser Malerei, ist dies der Kunstgeschichtsschreibung unserer Tage keine Zeile und Abbildung mehr wert.

Hervorhebung aus der Versenkung

Deshalb möchte ich im nachfolgenden einige Bilder dieser verlorenen Meister vorstellen. Namen, die nur den Fachleuten ein Begriff sind und mir erst durch den Überflug (der auch für mich als Atheist sehr interessant war) durch die Jahrgänge der Monatsschrift Die Christliche Kunst bekannt wurden. Einer Zeitschrift, die einige Jahre nach dem 1 Weltkrieg, als religöse Kunst immer weniger gefragt war, aufgrund zu geringer Abozahlen ihre Veröffentlichung einstellte.

Leider ist die Qualität der Bilder sehr bescheiden, da sie nur im schlecht eingescannten pfd-Format vorliegen. Aber auch anhand der kleinen, verschwommenen Darstellungen würde man sich wünschen, in unseren Museen und Buchhandlungen Werke dieser Künstler zu sehen, um ein realistischeres und vor allem kunstvolleres Bild dieser Zeit zu erhalten.

Naturgemäß sind die Abbildungen dieser Zeitschrift fast alle religiösen Themas, wer sich also dadurch belästigt oder gelangweilt fühlt, sollte nun abschalten. Wer aber ein Auge für das Können in der Kunst hat, sollte dranbleiben. Sonst verpasst er was.

In diesem Sinne nun zu den Bildern. Hierbei fallen aufgrund der siebzig Jahre Schranke leider sehenswerte Zeichnungen und Gemälde anderer begabter Künstler unter den Tisch, wie beispielsweise Alexander Bertrand, Ern(e)st Wante, Franz Xaver Dietrich, Josef Wagenbrenner, Josef Wahl, oder Heinrich Nüttgens.

Franz Reiter (1875-1918):

Franz Reiter - Der heilige Georg mit dem Giftbecher (Karton)
Pfarrkirche in Milbertshofen

Emanuel Dite:

Emanuel Dite - Pieta

Franz Xaver Simm (1853-1918):

Franz Xaver Simm - Vor der Töpferbude

Franz Xaver Simm - Madonna am Hause des Künstler

Franz Xaver Simm - Laufendes Mädchen - Studien zu einem Bild in den fliegenden Blättern

Franz Xaver Simm - Alte Frau - Studie zu einem Bild in den fliegenden Blättern

Gabriel von Hackl (1843-1926):

Gabriel von Hackl - Vorbereitung zum Feste

Gabriel von Hackl - Ungebetene Gäste

Gabriel von Hackl - Studienköpfe - Kohlezeichnungen

Gabriel von Hackl - Des Künstlers Tochter

Gabriel von Hackl - Der Naturforscher

Gabriel von Hackl - Der heilige Karl Borromäus

Gabriel von Hackl - Auf Urlaub

Gabriel von Hackl - Anbetung der Könige
Mittelbild Tryptichon Schlosskapelle Sankt Paul in München

Gabriel von Hackl - Alarmsignal

Gebhard Fugel (1863-1939):

Gebhard Fugel - Weinet nicht um mich (um 1889)

Gebhard Fugel - Kreuzigung (Studie zum Panorama in Altöttingen)

Gebhard Fugel - Jesus und Veronika (1907) (Sankt Josephkirche München)

Gebhard Fugel - Madonnenstudie zur 4ten Kreuzwegstation

Gebhard Fugel - Heimkehrende Juden (Studie zum Panorama in Altöttingen)

Gebhard Fugel - Heimkehrender Pharisär (Studie zum Panorama in Altöttingen)

Gebhard Fugel - Die Widersacher Jesu (Studie zum Panorama in Altöttingen)

Gebhard Fugel - Die Mitleidigen Frauen (Studie zum Panorama in Altöttingen)

Gebhard Fugel - Der göttliche Kinderfreund

Gebhard Fugel - Berufung Petri (Studie) (wohl 1909)

Gebhard Fugel - 3 Fall Jesu unter dem Kreuz (1907)
Sankt Josephkirche München

Friedrich Georg Papperitz (1846-1918):

Friedrich Georg Papperitz - Prinzregent Luitpold von Bayern (1899)

Friedrich Georg Papperitz - Kreuztragung

Heinrich Lammers (??? - 1933):

Heinrich Lammers - Altarflügel (Krönung Maria) - Maria Empfängniskriche in Essen

Heinrich Told:

Heinrich Told - Grablegung

Josef Scherer (kein 20 Jahrhundert, aber zu Schade um's zurückzuhalten):

Josef Scherer - Aus Athen (1843) - Bleistiftzeichnung

Josef Scherer - Zwei Griechinnen (1843)

Josef Scherer - Griechischer Lastträger

Josef Scherer - Griechischer alter Mann (1844) - Ölstudie

Jozef Janssens (Belgier 1854 geboren):

Jozef Janssens - Studienkopf

Jozef Janssens - Porträt

Jozef Janssens - Madonna

Jozef Janssens - Kreuzabnahme aus dem Zyklus Die Sieben Schmerzen Marias

Jozef Janssens - Kartons zu den Wandbildern in der Herz Jesu Kirche in Sankt Nicolas (1884)

Jozef Janssens - Karsamstag (1894)

Jozef Janssens - Deine Seele wird ein Schwert durchdringen

Jozef Jannsens - Christus am Kreuz

Jozef Janssens - Bildnis Frau J N

Julius von Klever (1850-1924):

Julius von Klever - Meeresstille (Ostsee-Russland)

Julius von Klever - Christus auf dem Meere

(C)Karl Seiler (1846-1921):

Karl Seiler - Johanniskirche in München (1904)

Kaspar Schleibner (1863-1931):

Kaspar Schleibner - Studienköpfe - Ölgemälde

Kaspar Schleibner - Sankt Philomena

Kaspar Schleibner - Maiandacht (1890-1891) - Ölgemälde

Kaspar Schleibner - Heiliger Georg (1909) - Schlosskapelle in Eurasburg

Kaspar Schleibner - Die Malerei (1897) - Karton - Fassadenmalerei München

Kaspar Schleibner - Das Kunsthandwerk (1897) - Karton - Fassadenmalerei München

Kaspar Schleibner - Christmette im Kloster (1893) - Ölgemälde

Kaspar Schleibner - Jesus am Kreuze
12 Station des Kreuzweg der Herz-Jesu Kirche in Nürnberg (1912)

Kaspar Schleibner - Die Helferin der Christen (1906)
Apsismalerei in der Kirche Vinzentinumus in München

Kaspar Schleibner - Das letzte Abendmahl (1907) - Ölgemälde

Leonhard Thoma (1864-1921):

Leonhard Thoma - Karton zu Heilige Cecilia

Louis Feldmann (1856-1938):

Louis Feldmann - Studienkopf

Louis Feldmann - Stigmatisation des Heiligen Franziskus

Louis Feldmann - Jesus der Kinderfreund - Ölgemälde

Louis Feldmann - Auffindung des heiligen Kreuzes

Louis Feldmann - 9 Kreuzwegstation - Propsteikirche Dortmund

Louis Feldmann - 6 Kreuzwegstation - Jesus und Veronika - St. Rochus Düsseldorf

Louis Feldmann - 4 Kreuzwegstation - St. Rochus Düsseldorf

Louis Feldmann - 12 Kreuzwegstation für die Sankt Heribert Kirche in Köln Deutz (191x)

Louis Feldmann - 12 Kreuzwegstation - Propsteikirche Dortmund

Louis Feldmann - 11 Kreuzwegstation für die Sankt Heribert Kirche in Köln Deutz (191x)

Louis Feldmann - 11 Kreuzwegstation - Propsteikirche Dortmund

Ludwig Glötzle (1847-1929):

Ludwig Glötzle - Tu es Petrus (1876-1877) - Hochaltar in Immenstadt

Ludwig Glötzle - Tod des heiligen Gallus
Deckengemälde zur Pfarrkirche in Scheidegg in Allgäu

Ludwig Glötzle - Studienkopf

Ludwig Glötzle - Mutterglück (1917) - Ölgemälde

Ludwig Glötzle - Martyrium der heiligen Ursula - Ölgemälde

Ludwig Glötzle - Landschaft bei Seehaupt

Ludwig Glötzle - Herr lehre uns beten

Ludwig Glötzle - Golgatha

Ludwig Glötzle - Eine Vision (Kriegsbild) (1917) - Ölbild

Ludwig Glötzle - Der Heilige Julius auf dem Weg zur Richtstädte
Pfarrkirche in Immenstadt

Ludwig Glötzle - Darstellung Jesu im Tempel (1895) - Entwurf zu einem Deckengemälde

Ludwig Glötzle - Bildnis eines Mädchen

Michael Emonds-Alt:

Michael Emonds-Alt - Der Versehgang

Martin von Feuerstein (1856-1931):

Martin von Feuerstein - Bella Matribus Detestata - Vom Kriege (1914)

Martin von Feuerstein - Tod des Heiligen Bonifatius (Farbstudie)

Martin von Feuerstein - Taufe

Martin von Feuerstein - Studienkopf (Kohlezeichnung mit Weiss erhöht)

Martin von Feuerstein - S. Thomas Aquinas

Martin von Feuerstein - Prozession - Karton zu einem Glasfenster

Martin von Feuerstein - Pieta (um 1916)
am Gedächtnisaltar für gefallene Krieger in der Corpus Christi Kirche in Berlin

Martin von Feuerstein - Pieta (um 1915)

Martin von Feuerstein - Mariä Verkündung
Karton zu einem Glasfenster in der heilig Geistkirche in München

Martin von Feuerstein - Mariä Heimsuchung - Karton zu einem Glasgemälde

Martin von Feuerstein - Heiliger Burkhard (Karton Deckenbild für die Kirche des Heiligen Antonius in Padua)

Martin von Feuerstein - Heilige Odiliie und Mathilde
Karton Deckenbild für die Kirche des Heiligen Antonius in Padua

Martin von Feuerstein - Heilige Bruno und Norbert
Karton für die Kirche des Heiligen Antonius in Padua

Martin von Feuerstein - Gruppe aus der Krönung Karl des Grossen
Studie für die Kirche des Heiligen Antonius in Padua

Martin von Feuerstein - Gruppe aus dem Tod des Heiligen Bonifatius

Martin von Feuerstein - Geisselung

Martin von Feuerstein - Fischpredigt des Heiligen Antonius in Padua (Farbige Nachbildung)

Martin von Feuerstein - Exlibris

Martin von Feuerstein - Die heilige Magdalena und ihre Gefährten landen in der Provence - Mappe (1893)

Martin von Feuerstein - Der heilige Fridolin

Martin von Feuerstein - Das Gastmahl des Simon - Karton zu einem Glasfenster

Martin von Feuerstein - Christus am Kreuz - Entwurf für ein Mosiak St. Peter in Strassburg

Martin von Feuerstein - Aus der Mannlese
Teil des Karton zu einem Wandgemälde in Oberehnheim

Martin von Feuerstein - Aus der Brotvermehrung - Teil des Karton zu einem Wandgemälde in Oberehnheim

Paul Beckert:

Paul Beckert - Porträt

Paul Beckert - Doktor Georg Freiherr von Hertling

Wilhelm Bernatzik (1853-1906):

Wilhelm Bernatzik - Klosterwerkstätte

Wilhelm Bernatzik - Die Vision des Heiligen Bernhard

Wilhelm Immenkamp (1870-1931):

Wilhelm Immenkamp - Studienkopf

Wilhelm Immenkamp - Marietta (1913)

Wilhelm Immenkamp - Der barmherzige Samarither

Wilhelm Immenkamp - Betendes Mädchen -Studie

Fazit

Diese Maler sind leider fast alle in Vergessenheit geraten. Überdeckt durch den Müll des Nichtskönnertum, der heutzutage gepriesen wird. Gabriel von Hackl oder Martin von Feuerstein gehörten zu den großen Künstlern ihrer Generation. Sie waren nicht von ungefähr Professoren an der Münchener Kunstakademie und beherrschten ihren Pinsel meisterhaft. Voraussetzungen, die für die heutigen Professoren der deutschen Kunstakademien nicht mehr gelten. Womit wir wieder beim Anfang wären...

Panoramareiter Roubaud

2009-07-18T05:30:00.000-07:00

Im folgenden möchte ich einen dritten Maler der Münchner Polenrunde vorstellen. Franz Roubaud. (Hinweis: Falls es nicht offensichtlich war. Die Informationen zu dem Münchner Polenkreis sind dem schönen Buch von Hans-Peter Bühler: Jäger, Kosaken und polnische Reiter entnommen)

Franz Roubaud - Foto (1916)

Heile Welt

Am 15. Juni 1856 erblickte Franz (getauft wurde er auf François Iwan Roubaud oder sein russischer Name Franz Alexejewitsch Roubaud) an der Schwarzmeerküste in Odessa erstmals das Licht der Welt. Seine Name ist für einen russischen Jungen nur solange ungewöhnlich, bis man erfährt, dass seine Eltern aus Frankreich eingewandert sind. Der Vater ein Kaufmann aus Marseille, die Mutter aus Clermont-Ferrand, in ihrer neuen Heimat eine erfolgreiche Modedesignerin, ausgezeichnet als Kaiserliche Russische Hoflieferanten.

In dieser wohlbehüteten, finanziell abgesicherten Welt gedeiht der kleine Spross zu einem talentvollen Reiter und begeisterten Zeichner samt ersten Zeichenunterricht im zarten Alter von 6 Jahren. Beides waren Leidenschaften, welche den Rest seines Leben bestimmen sollten.

Franz Roubaud - Im Tauriergebiet (1884)
Öl auf Leinwand (63,5 x 94 cm)

Ab und wieder Auf

So glücklich und perfekt ist die Welt aber nicht oft und so zerplatzte die schön leuchtende Welt der Familie Roubaud, als die geschäftlichen Dinge nicht mehr so gut liefen. Zeitweise musste Franz die Schule verlassen, konnte dann aber auf Umwegen, mit der Unterstützung eines guten Freundes der Familie, sein Gymnasialschulzeit noch beenden und einen Job in einer Stärkefabrik (?!) finden.

Münchner Probleme

Doch ich würde nicht über ihn berichten, wenn sein Leben in dieser Bahn weiter verlaufen wäre. Seine Freude und sein Talent beim Malen und Zeichen konnte nur durch eine ordentliche Schule der Kunst gestillt werden. Also machte sich Franz Roubaud 1877 auf nach München an die weltberühmte Kunstakademie. Carl Theodor von Piloty, Otto Seitz und Wilhelm von Dietz waren die Meister, zu denen man als junger, wissbegierige Maler pilgerte.

Carl Theodor von Piloty - Die Gründung der katholischen Liga (1854) - Ausschnitt

Roubauds Talent wurde früh erkannt und Direktor Piloty empfahl eine Begabtenförderung, um den finanziell arg Gebeutelten die Aussicht auf Fortführung seines Studiums zu ermöglichen, denn

Seine finanzielle Lage ist derart, daß er sofort seine Studien unterbrechen müßte, wenn er keine Unterstützung bekäme, was bei seinem Streben und Talent sehr zu bedauern wäre, da er in jeder Hinsicht zu empfehlen ist (Schreiben der Akademie vom 28.05.1880, unterzeichnet von Carl von Piloty)

Hin und Her

Von Erfolg gekrönt war dieses Schreiben nicht, da Roubaud zurück nach Odessa fuhr, wo eine gut dotierte Stelle als Erzieher winkte.

Doch auch dies war nicht von Dauer. 1881 zog es ihn in die Heimat seiner Eltern nach Südfrankreich und dem obligatorischen Parisbesuch.

Obwohl er vielleicht eine gewisse Verbundenheit mit dem Land seiner Vorfahren gefühlt haben mag, konnten die Eindrücke dort nicht mit München verglichen werden. Hier sah er seine Zukunft. Das war ihm klar.

Nun fühlte er sich bereit, ein Maler von Berufe zu werden. Seit einer frühen Reise nach Tiflis schwärmte er von den wilden Bergregionen des Kaukasus und seiner malerischen Menschen. Mit dieser Liebe im Gepäck gab es nur ein Atelier, wo man sich unter Seinesgleichen befand. Das sogenannte Polenatelier des Jozef von Brandt. Also hieß es Ende 1881 wieder mal auf nach München, wo er bereitwillig Aufnahme fand.

Brandtschule

Seine ersten Versuche in der Manier von Brandts wurden noch nicht so angenommen wie gewünscht. Die Straße von Jarmolinzi in Podolien von 1882 begeisterte natürlich von Brandt, anderer Kritiker sahen aber in solch thematischen Gebieten, der realistischen Darstellung des 'matschigen' Leben, kein malerisches Potential.

Franz Roubaud - Straße von Jarmolinzi in Podolien - Studie (1882)
Zeichnung (29 x 20,8 cm)

Aus solch Ingredienzen ein anziehendes Bild zu schaffen, ist und bleibt ein Ding der Unmöglichkeit.

Wenn man als heutiger Betrachter von solch eingeschränktem Streben nach dem Schönen und Bedeutsamen in der Kunst befreit ist, kann man die Leistung nun voll uns ganz anerkennen. (Was ist Kunst?)

Franz Roubaud - Straße von Jarmolinzi in Podolien (1882)
Öl auf Leinwand (85 x 150 cm)

Ein durch den polnischen Malerkreis, unter anderem Wierusz-Kowalski, immer wieder gern gepflegter Themenkreis war der Kaukasus. Sein erster Besuch in Kinderjahren sollte nicht sein letzter sein. So durchstreifte Roubaud 1883 und 1884 diese Region, um sein Arsenal an malerischen Motiven aufzustocken.

Franz Roubaud - In einer kaukasischen Stadt (um 1885)
Zeichnung (36,4 x 29,4 cm)

Was er von diesen Reisen mitnahm bestimmte den Großteil seines künstlerischen Schaffen. Tscherkessen, Kosaken, Orientalen in jeder Situation und Lage. In der Stadt, auf dem Markt, im Basar, auf der Jagd, im Gefecht oder beim Spiel.

Franz Roubaud - Baiga, Nationalspiel in Samarkand (um 1906)
Öl auf Leinwand (60 x 83 cm)

Franz Roubaud - Markt in Samarkand (1884)
Öl auf Leinwand (91,4 x 56 cm)

Nichts was dem Auge Roubaud langweilig erschien.

Franz Roubaud - Studie eines Gitarre spielenden Kosaken (um 1890)
Zeichnung (28 x 21,5 cm)

Franz Roubaud - Gitarrespielender Kosak (um 1890)
Öl auf Holz (35,4 x 22,5 cm)

Russischer Mammutauftrag

Der französische Russe, der im deutschen Reich Bilder des Kaukasus malte, war auch in Kreisen der russischen Regierung kein Unbekannter mehr und so erteilte man Franz Roubaud 1885 den Auftrag zur Ausmalung einer Ruhmeshalle in Tiflis zum Gedenken an die ruhmreichen Schlachten in dieser Region. Diesen Bildzyklus von 17 Gemälden wollte er mit der Unterstützung seiner Münchner Malerfreunde Rudolf Otto von Ottenfeld, Johannes Leonhard und Robert Büchtger meistern.

Johnannes Leonhard - Früher am Morgen beim Markt in Samarkand
Öl auf Leinwand (57 x 95,9 cm)

Rudolf Otto von Ottenfeld - Aus dem montenegrinischen Volksleben
Öl auf Leinwand (55,5 x 80 cm)

Es sollten pro Jahr vier Gemälde abgeliefert werden. Es gab also keine Zeit des Entspannen und so reiste die Malerkolonne 1886 zu Studien in den Kaukausus, um die Orte des Geschehen in sich aufzusaugen.

Franz Roubaud - Die Waschung (1885)
Öl auf Leinwand (63,5 x 90,3 cm)

Erstes Panorama

Eines dieser Gemälde behandelte den Kampf um Achulgho. Dieser Kampf um die Bergfestung faszinierte Roubaud und seine Auftraggeber sehr, denn schon bald kamen 1889 konkrete Pläne zu einem riesigen Panorama mit diesem Thema auf den Tisch. Panoramen waren vor allem im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts groß in Mode. Von den enormen Aufwänden, die hinter der Erschaffung solch eines realistisch, den historischen Tatsachen folgenden Rundgemälde stehen, berichtet Anton von Werner in seiner Biografie.

Anton von Werner und Mitarbeiter - Panorama der Schlacht bei Sedan (Ausschnitt)

So war es nur natürlich, das Roubaud ein weiteres Team zusammenstellte, zu Studien in die Region des Kriegsgeschehen reiste und Karten und Generalstabsberichte analysierte, um den Verlauf der Ereignisse angemessen umzusetzen.

Franz Roubaud - Studie zum Achulgho Panorama

Hierbei wurde er von seinen Kollegen Fricke, Bjärke, Jan Rosen und Hans von Bartels unterstützt und in der kurzen Zeit von fünf Monaten in München vollendet.

15 Meter hoch und 115 Meter Umfang bot dieses Riesenrundbild. Standardnorm zur damaligen Zeit. Der Grund hierfür ist simpel. Aufgrund dieser normierten Ausmaße gab es in vielen Städten Gebäude, welche auf genau diese Maße ausgerichtet waren. So war die Ausstellung schneller zu realisieren und in der Summe vielleicht auch kostengünstiger.

Franz Roubaud - Studie zum Achulgho Panorama (1889)
Öl auf Leinwand (90 x 122 cm)

Die erstmalige Eröffnung am 1. Juni 1890 in der Münchner Theresienstrasse war ein voller Erfolg und die Kritiker überschlugen sich mit Lob. Kein Wunder, dass Zar Alexander III dieses Gemälde kaufte und es in verschiedenen Städten des russischen Reiches zeigte.

Franz Roubaud - Vor dem Achulgho Panorama (1890) - Foto

Goldene Neunziger

Mit diesem Panorama und seinem im gleichen Jahr beendeten Tiflis-Zyklus war Franz Roubaud auf der malerischen Karriereleiter oben angekommen. Die 90er Jahre waren sein goldenes Jahrzehnt. Man kannte und verehrte ihn und er errang die ein oder andere Medaille. 2. Klasse 1892 in München, die Goldene 1893 in München, die Medaille 1. Klasse in der Madrider Columbusausstellug, die Bronzemedaille auf der Weltausstellung 1893 in Chicago, eine kleine Goldene in Berlin 1895 und 1896 und 1898 die Medaille 1. Klasse in Barcelona.
So wundert es nicht, dass die Preise seiner Gemälde stiegen. 1893 kaufte beispielsweise die Bayerische Staatsgemäldesammlung für stolze 9000 Mark das Bild Im Kaukasus.

Franz Roubaud - Karawanenrast im Südkaukasus (um 1895)

Prinzenförderung

Einen bedeutenden Förderer gewann Roubaud in dieser Zeit mit dem Prinzregenten Luitpold von Bayern. Es muss sich eine kleine Freundschaft zwischen ihnen entwickelt haben, den anders ist ein 'privates' Bild wie das Prinz Luitpold mit seiner Schwester der Herzogin von Modena, auf den Schären in Prien/Stock nicht zu erklären.

Franz Roubaud - Prinzregent Luitpold mit seiner Schwester der Herzogin von Modena
, auf den Schären in Prien/Stock
Öl auf Leinwand (58 x 84 cm)

Verlust und Gewinn

Am 13. Juni 1897, kurze Zeit nach einem prunkvollen Diner beim Prinzregenten im Rahmen der VII Internationalen Kunstausstellung in München, verstarb Roubauds Ehefrau Katharina (geb. Keller). Der Künstler war nun mit seinen drei Kinder alleine gestellt, hatte habe das Glück, nach zwei Jahren sein neues Glück mit Elsa Haberl zu finden, die er am 3. Juni 1899 heiratete und mit ihr nochmals vier Kinder bekam.

Ein große Ehre wurde dem Maler Roubaud 1901 in seiner russischen Heimat zu teil, als in Moskau eine Einzelausstellung mit 25 Gemälden und Zeichnungen und Aquarelle seinem Schaffen gewidmet wurde. Man umschmeichelt ihn und sah in ihn den Maler, welche die russische Vergangenheit angemessen umsetzten kann.

Zweites Panorama

Deshalb wundert es nicht, das gerade ihm 1901 vom Zaren Nikolaus II der Auftrag zu einem weiteren monumentalen Rundgemälde, der Verteidigung von Sewastopol erteilt wurde, samt Verleihung des Orden des Heiligen Stanislaw 2. Klasse im folgenden Jahr. Roubauds Umsetzung soll sich an Tolstois Erzählungen zu diesem Thema angelehnt haben, der direkte Austausch mit dem berühmten Dichter blieb ihm jedoch wegen gesundheitlicher Probleme Tolstois verwehrt.
Dargestellt wird der 6. Juni 1855, als den russischen Verteidigern ein Sieg gegen die europäischen Belager gelang.

Franz Roubaud - Belagerung Sewastopol (1905) - Panorama Ausschnitt

In typischer Manier, mit Studien, Befragung der Veteranen und Lektüre der zeitgenössischen Schlachtberichte, wurde das Projekt von Roubaud und seiner Mannschaft bis 1904 in München vollendet.
Unterstützt haben ihn hierbei die Maler Leopold Schönchen, Oskar Merté, Karl H. Frosch und 20 weitere Studenten der Münchner Akademie.
Die Ausmaße waren wieder einmal die bekannten 14 x 115 Meter, erstmals ausgestellt im Jahre 1905. Im zweiten Weltkrieg gelang es nur mit viel Glück, 86 Einzelteile des Gemälde vor dem Bombardement der deutschen Truppen zu schützen. 1954 wurde das restaurierte Panorama wieder eröffnet und ist noch heute zu besichtigen. Die Webseite der Panoramagesellschaft liefert reichlich Informationen hierzu.

Wunderbar ist auf dem folgenden Bild der für ein Panorama typische nahtlose Übergang zwischen dem gemalten Panorama (dem Pferd) und den Vordergrund (faux terrain), der aus echten Gegenständen (dem Wagen) besteht, zu sehen.

Franz Roubaud - Belagerung Sewastopol (1905) - Panorama Ausschnitt

Professor mit Verspätung

Das russische Reich wollte Roubaud noch weiter an sich binden und bot ihm 1903 die Professorenstelle für Schlachtenmalerei der St. Petersburger Akademie an, welche er auch voller Dank annahm.

Ich bin unendlich glücklich über diese Ernennung, obwohl es mir schwer fällt, München zu verlassen, wo ich genau 26 Jahre verbracht habe.

Schwerer als selbst befürchtet war es ihm dann letztendlich doch gefallen, denn erst 1908 trat er die Stelle wirklich an, aufgehalten vielleicht nicht nur durch die russische Revolution.
Wie dem auch sei, von 1908 bis 1911 lehrte Roubaud an der St.Petersburger Akademie.

Drittes und letztes Panorama

Ab 1911 war keine Zeit mehr für den Lehrunterricht, denn es sollte wieder ein gigantisches Panoramaprojekt von Roubaud gemalt werden, die Schlacht von Borodino. Rechtzeitig zum 100 Jahrestag des Geschehen musste es vollendet werden und deshalb trat Roubaud als Professor zurück, um sich voll und ganz dieses neuen Panorama zu widmen. Das Resultat ist noch heute zu besichtigen ist.

Franz Roubaud - Schlacht von Borodino (1912) - Panorama Ausschnitt

Münchner bis zum Schluss

Roubaud blieb nach den Wirren des ersten Weltkriegs seiner Wahlheimat treu und verstarb am 11. März 1928 in München. Bis zuletzt war in seinen 'normalen' Gemälden der Kaukasus sein Lieblingsthema.

Franz Roubaud - Auf der Falkenjagd (1919)
Öl auf Leinwand (61 x 82 cm)

Einige seiner Motive hat er immer wieder gerne verwendet. So ist die Flussüberquerung von Tscherkessen in vielen Varianten bekannt.

Franz Roubaud - Tscherkessen überqueren einen Fluß (um 1890)
Öl auf Leinwand (59 x 83,2 cm)

Franz Roubaud - Flußübergang (1912)
Öl auf Leinwand (60,5 x 92,5 cm)

Franz Roubaud - Tscherkessen queren einen Fluss im Abendrot

Fazit

Soviel zum dritten und letzten der aktuell von mir vorgestellten Maler der Münchner Polenrunde. Die Bilder dieser Schule sind oft sehr ansprechend, dynamisch komponiert und mit ihrer für den Westeuropäer fremdartigen Welt sehr anziehend. Malerisch sind sie mir manchmal zu halbgar, zu impressionistisch, nicht vollendet genug, um den Blick länger an einem Bild zu halten. Aber dies ist Geschmacksache und ihr Können unbestritten.

Franz Roubaud - Auszug des Fürsten zur Jagd (um 1890)
Öl auf Leinwand (61 x 92 cm)

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